‘Inɨkai Tirɨkariya – ‘Iwaurika xatsikayari | Miriam Rodríguez

Tiwewiwaame Miriam Rodriguez ‘uuximayátsikaya
‘uximayátsikaya: Mónica Ashida

 

Katsutɨtɨ 26 nuwiemexi 2022 ‘apaɨta 16 ‘apiri metseri ‘uti’atɨ

 

 

 

“’Axa tɨtɨ pekuyɨne,

perɨ xɨka ‘axamɨti’ane teteyunitɨakuni ‘iyaarimekɨ xeikɨa pɨyɨwe”

Albert Camus. La peste

 

 

Mayu 2022 mɨtiyɨane Organización de las Naciones Unidas (ONU) xei ‘utsika hetsie ‘ipaɨ putayɨ kename waɨkáwamekɨ yu’iyaaritɨa teɨteri ciel mil reuyeta meyɨpaɨtɨ memutayunitɨariekɨ ‘iikɨ wiyaritsíe ‘eena Mekiku. Meripaitɨ paitɨ, mɨɨkɨ kuruxi nɨ’arieyamete memɨyɨa takiekaripa mepɨheukukɨnixɨa, ‘ɨtɨmana weri ke memɨte’unierixɨ xapatsie mepɨte’aka’utɨa paɨ mepɨte’uxá kename “Mekiku hetsie ta’iwama memɨnawarietɨwe tayunaime tahetsie raaká: naitɨ kiekari metá kiekataari”.

 

 

Keyɨpaɨtɨ teɨtéri memɨtayunitɨariwa tukaari mɨyemie matsiri waɨkawa mepɨti’ɨrirɨme, kwetatɨrikatɨtɨ xuawekaku metá memɨkumaweritɨarie wa’iwaama mete’iyeiketɨwekakutɨtɨ, kuruxi manu’utɨka teme’uximayakakakutɨtɨ, ‘apɨta ‘axa ti’anetɨ pɨtiwaniere, kwinimieme mɨtitɨrɨkaɨyekɨ, paɨ pɨtiyuhekɨa kename mɨranukanuani kati’ane.

 

 

Ya‘aimieme takiekaripa weri pɨraku’ane kɨmanata pɨtatsitɨrɨkari ya temɨtekahunikɨ. Maana mɨ, pɨyɨwe temɨkatemarieka, tahepa xeikɨa temeuyunaka, xaɨtsie pɨta teheutanenieretɨ, tsiere ta pɨyɨwe, tatɨrɨkariyakɨ teyupariewietɨ yatemɨtahekɨarita kename ‘akú yaraku’ane, kenametsɨ ‘akú teyunaitɨ ‘iwamari teyɨa, kwiniya ya’anetɨ mɨtaaká teta’iwá. Ya tikwiniyatsíe, tewi huutatsíe pɨkuname: yati’anemetsíe mutaayuni ya mɨyuta’iwirieni mitanakekɨ.

 

 

Miriam Rodríguez mɨyɨane tihuutarieka pɨranukuwei, maana yu’iyaaritɨarika metá ke mɨtiuyemate yuwewiyaate pɨtiyetua. ‘Apɨreutewi ri tiparewietɨ ta’iwama wawaurika hetsíe, organización civil Familias Unidas por Nuestros Desaparecidos Jalisco, FUNDEJ matsi timatiwatɨ pɨparewie, maana mepaye’ú ‘ukári metá ‘ukítsi, ta’etsitaru ‘iwamarixi memutayunitɨarie wamaamáma, wa’ɨitama ya wakɨnama, waniwema, wamatsima metá wakurima wawawamete.

 

 

‘Inɨkai Tirɨkariya – ‘Iwaurika xatsikayari naime ‘iikɨ ‘a’ayetewimekɨ teɨtsiyapa mɨtiuyukaxei pɨtikuxeɨrie. Ya pɨtitewa Joseph Nye niukieya hetsíe ‘ayuka’ɨkeka, tatsɨari Universidad de Harvard ti’ɨkitaame, 1990 paɨ mutayɨ kename yeiyari metá ‘iyaaritɨarika xatsikayari hetsíe reuyutanieretɨ yɨwe téɨteri ke memɨteyukuhɨawe mɨwarutipata ‘apɨta ke mɨreuyehɨaka mɨpaɨ mɨtiwarayexɨrieni. Matɨarimekɨ mɨɨkɨ niuki ‘eriya ‘iitsɨkame pɨhetsiemetɨkai, ‘itɨmana ‘i’ɨtɨwame pɨretima kename waɨkáwa yunaki’erie teɨtéri ke memɨteka’u kɨmana kiekaripa mɨtiyupatani ‘aixɨ ‘iyaarimekɨ.

 

 

‘Uká Guadalupe Aguilar, FUNDEJ mutanuiwitsitɨa, hetsiena pɨtiyuhekɨa kename ‘akú ‘Inɨkai Tɨrɨkariya makatetɨani yɨwe, kɨmanatsɨ tinakemekɨ tineutatɨrɨkariya, ‘aixɨ ‘uuxumayátsika neuta’uyetɨa. Mɨɨkɨ niweya ‘ukamawereku tukaarieya pɨyupataxɨ, ‘aana mɨtiukatsutɨa ya tiwaunetɨ patɨa. Weri yatiyurieku, ‘umɨratiyune hipame téɨteri hepaɨna mɨtiwaruyuri warukaxeiyaka pɨretima kename ke mɨtiuhikweni ya tukaari ke mɨranuwimani haniere, tatsɨari hipame yu’iwama wahetsɨa mukuwaɨre, wahetsie mɨyukuparewieni, wahamatɨa tukaaripa mɨyeniereni, wahetsie retimamateketɨ metá yumaiyá yetuatɨ. Niuki “Pepɨkanutui” ‘anuyɨnemekɨ pɨwaranunanake téɨteri hetsɨana memɨye’axe yu’iwama mewawautɨwetɨ, kɨmana ‘iyaari teɨtsiya mewewietɨ.

 

 

Yu’iwama wawamete ke ‘anekɨa memɨyuxeiya tsɨ nakumɨire metá rakuheiweriɨkɨ, perɨta, mɨɨkɨ wa mepɨkateukahɨwa paɨ ti’eriya kename kehate yu’iwama memɨwarutatɨmai matsi wa’uuximayátsika memɨwawautɨweni. Tukaarikɨ teɨtsiya memɨyetuaya kuruxipa me’anuhutɨ yu’iwama mewawautɨwetɨ, maana mepɨtehetimamate tewi mɨki ke mɨtiuxeiya mɨretimanikɨ kemɨtiumɨ metá kemɨ’ane mɨyɨane, metá mepɨtetimamateke ke paɨ mɨtiutɨrɨkariya naitɨ ‘aixɨ mɨtiyu’uuximayatakɨ. Hepaɨna, mepɨtetimamateke ke mɨtiuyumieni, ke mɨtiuhiwa ke pauka meuyewekatsíe metá yu’iwa ke mɨtiuteɨta.

 

 

Ke memɨteyurie, nehepaɨtsitɨa waɨkawamekɨ matsi netsiumaritɨa pɨhɨkɨ ‘ikwai memɨwaruyetuirietɨkɨka kehate wa’iwama memɨwawautɨwe SEMEFO, kɨmana mepɨwawaɨritɨa metá wa’iyaari mepɨwatayuitɨwa, paɨ meteheikuwautɨ kename mɨɨkɨta me’itipika yu’uuximayátsika ‘aixɨ metekuwewiwatɨ. Nehepaɨtsita ‘aixɨ pɨka’ane yamemɨyɨaka memɨ’enierienikɨ kaukatɨ pɨta yapauka mɨɨkɨ parewiya meyetuiriekake tsɨ mekatenapiniyarieka; ‘apɨta memɨ’u paɨ mepɨteiti’enietɨkɨ kename wa’atɨtɨ waɨriyarika mepitɨarie. ‘Arike ke, nepeitimaitɨya kename yameteyurie ke memɨteheu’erie memeti’enierietɨyanikɨ.

 

 

‘Iwamarixi keyɨpaɨtɨ memukumaweritɨarie mepɨmɨire metá wahepaɨtsita tsi pɨkatiyɨane, wa’atɨtɨ yatatɨ pɨratiyɨxime pɨti’ane, tsipɨkara’eriwa, mexita memɨtɨmaiyarie matsi metimɨirirɨme, mexi ‘atsi karamatsiɨkɨ titayari mete’unawarie, ke memɨtetewakai pɨkaramatsiɨkɨ, xeikɨa tsɨri yunierika, yu’iwama me’utinawaiyarieka, wa’iwama xeikɨatsɨri meniwara’eriwa. FUDEJ memaye’u mepɨyehu metewautɨ kename naitɨ ‘aixɨ rakayɨni kename ‘aixɨ rakuyɨni, mepɨtekuxata naitɨ weri ke mɨraku’ane, kename ya xeikɨa tiyɨane mexitɨ kaiwatɨ ‘uma mexi tsikara’eriwa.

 

 

‘Iikɨ hiikɨ hekɨatsika ‘ipaɨ pɨreikuwawa kename tiparewieni mɨrayuhekɨarekɨ, ‘aixɨ mɨkati’anetsíe tiuyɨka tukaari muyutatɨmai mɨɨkɨ warahekɨarita ‘ayɨwekatsɨ wa’iwama memɨyuxeɨrie memɨwawautɨwe  metekuxatakaku, mete’iyeiketɨwekaku, mɨɨkɨ tatɨ meneka’uxipieni mewakaxeiyameke, mɨɨkɨ tatɨ meniwawautɨwe, meniwareuyehɨwa, metetane’ɨkitɨa kename ke temɨteku’eriwa, ta’iyaari ke mɨtiuka’eriwa tsiere yu’enieka.

 

 

Yati’anenemetsíe mɨtiparewiekakɨ Miriam Rodríguez maana petikeka yatikamietɨ, wateɨtatɨ waparewietɨ, hepaɨna karatɨtɨmaiyatɨ yu’uuximayátsika tatsɨari wichi tiwewiyarika. Pɨyutake mɨwakuxeɨrienikɨ wichi tiwewiyarika matɨa tukaari, pɨyutakwewiri mɨwateɨtakɨ kɨmana kiekari mɨtayuitɨanikɨ, kehate yu’iyaari memeiyepiri kawaratɨtɨmaiyatɨ kename ‘aku waparewieka.

 

 

Wewiyate mɨtiyuhekɨata pɨtikuxata ke paɨ yumɨiretɨ memɨte’u’uuximayá mete’anuyeyétɨ yuhetsie nuarika, niuki wahetsíe nunuwame mɨxuawe meku’iiwawatɨ, metewautɨwetɨ ‘aixɨ mɨrakayɨxɨanikɨ, yu’uuximayatsika ‘anɨkai tɨrikariyakɨ paɨ metehekuwaɨretɨ kename reumietɨ kiekari wareti’enietɨyani, waparewieni, kɨmana ‘iitsɨkate metá naitɨ kiekari ‘aixɨ mɨtikayanikɨ ya mɨti’anenetsíe.

 

 

Mónica Ashida Cueto

 

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Soft Power – Stories of Search

A project from the artist Miriam Rodríguez
Curator: Mónica Ashida

 

From November 26th of 2022 to April 16th of 2023

 

 

 

“That’s an idea which may make some people smile, but the only means of fighting a plague is―common decency.”

Albert Camus, The Plague

 

In May of 2022 the United Nations issued a statement to express its deep concern regarding the more than one hundred thousand enforced disappearances officially registered in Mexico. Several months before, the UN’s Committee on Enforced Disappearances had visited Mexico and issued a statement about this tragic situation, declaring that “enforced disappearance in Mexico is a problem for everyone, the entire society, and all humanity as a whole.”

 

Enforced disappearances continue to increase, in spite of international condemnation and the efforts of friends and relatives of the victims, of non-profit organizations, and of certain governmental bodies. They constitute an alarming chronic pattern which, given its magnitude and persisting impunity, seems impossible to eradicate.

 

This situation has generated a social crisis that forces us to take a stance. In the face of these circumstances, we can deny the facts and take refuge in egoism, looking the other way, or we can face them with courage and solidarity, putting to the test our capacity as human beings to confront the irrationality of tragedy. In the face of horror, we human beings find ourselves at a crossroads: we can flee from it or we can confront it with the very best of ourselves.

 

Miriam Rodríguez has taken the second path, placing her own concerns and artistic resources at the service of this cause. For years now she has devoted herself tirelessly to the task of searching for disappeared persons and of supporting a non-profit organization, Familias Unidas por Nuestros Desaparecidos Jalisco (Families United for Our Disappeared [Loved Ones] Jalisco, known by its Spanish-language acronym FUNDEJ), made up of mothers and fathers, wives and husbands, sons and daughters, and sisters and brothers of people who have disappeared in the state of Jalisco.

 

Soft Power – Stories of Search documents this long process of accompaniment. The title appropriates a term coined in 1990 by Joseph Nye, a professor at Harvard University, which refers to the ability to influence others’ behavior through cultural or ideological means in order to achieve the results one desires. Although the term was originally employed in the context of international relations, Nye later acknowledged the importance of action by individuals in producing changes to social structures.

 

Guadalupe Aguilar, the founder of FUNDEJ, is an example of the exercise of soft power. Her heroic efforts constitute a motivation and a guide to all of us. The disappearance of her son led her radically to change her life and to devote it entirely to searching for him. This tragic event and her encounter with others who have found themselves in the same dire circumstances taught her that the only way of surviving the situation is through solidarity, through walking the path together, sharing what she has learned and learning from others. “You are not alone” is the phrase with which she welcomes people who join her in the search for their loved ones, immediately creating a network of fraternity and understanding.

 

The struggles facing the collective are enormous and unfair, but members never lose sight of the fact that those performing the actual searches as part of their regular employment are also people. Their efforts to accompany official institutions in the search for disappeared persons have led to them train themselves in forensic techniques, to learn to register discoveries, to know a little about DNA, but also to understand how these tools can be used to demand results and ensure that things be done properly and in a timely fashion. They have learned to fight, to raise their voices when they have to, and to show empathy when necessary.

 

One of the actions that most surprised me is how they take meals to those working in the SEMEFO (the department of forensic medical services) to track down their family members, as a way of thanking them for their efforts but also of softening their hearts, in an effort to get them to commit to doing their work as it needs to be done. It seemed to me unjust that they had to offer this show of recognition for something that should be granted them as a right. I was also appalled to see that this attitude is sometimes misinterpreted as blackmail or victimization. I understand it as an act of compassion, as a humanizing strategy.

 

The astonishing number of enforced disappearances and a widespread pattern of impunity have normalized a state of violence, turning victims into mere statistics, stripping them of every trace of humanity, taking away their names, faces, families, and ties with the people who miss them. Restoring a human quality to all those involved in these unspeakable events is a duty for all of us. A thirst for justice and a glimmer of hope make it possible for the members of FUNDEJ to pursue their goals with dignity, to tell this horrifying story, which continues to repeat itself, owing to silence and apathy.

 

The aim of this exhibition is to help to reverse these effects and to pay homage to lives that have been senselessly lost, thanks to the generous testimonies of this collective: people who will never rest until their loved ones are found, who will never stop loving them, and who show us that feelings and emotions are also integral components of the exercise of human and political rights.

 

Collaborating on this task, Miriam Rodríguez finds herself in the world of activism and community organization, without abandoning the world of art. It is an endeavor that allows her to close the gap between art and life, to adopt and accompany the aim of effecting social change, without forgetting her commitment to the families that opened up their private lives to her.

 

The pieces on exhibit here speak of a collective practice that prioritizes the defense of ―and demand for― human rights. They reflect a search for practical solutions rather than the personality cult of the artist, in the hope that, in the course of time, the wider community may appropriate the project and, through the exercise of soft power (perhaps the only power we have), mount an effective challenge to the social and political powers that be.

Mónica Ashida Cueto

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Poder Blando – Historias de búsqueda | Miriam Rodríguez

Un proyecto de la artista Miriam Rodríguez
Curadora: Mónica Ashida

 

Del 26 de noviembre de 2022 al 16 de abril de 2023

 

 

“Puede parecer una idea ridícula,
pero la única manera de combatir la plaga es la decencia”
Albert Camus. La peste

 

 

 

En el mes de mayo de 2022 la Organización de las Naciones Unidas (ONU) expresó en un comunicado su profunda preocupación por las más de cien mil desapariciones forzadas registradas oficialmente en México. Unos meses antes, el Comité contra la Desaparición de este organismo visitó nuestro país y emitió un informe sobre esta tragedia destacando que “La desaparición de personas en México es un problema de todos: de la sociedad en su conjunto y de toda la humanidad”.

 

 

Las desapariciones forzadas aumentan día con día a pesar de las condenas internacionales y de los esfuerzos realizados por familiares y allegados a las víctimas, por las organizaciones civiles y por algunas instancias gubernamentales, configurando un espantoso patrón crónico que, por su magnitud e impunidad, parece imposible de erradicar.

 

 

Esta situación ha generado una crisis en la sociedad que nos obliga a tomar una posición. Ante ella, podemos negarla y refugiarnos en el egoísmo para mirar a otra parte, o bien, encararla con valentía y solidaridad poniendo a prueba nuestra capacidad como seres humanos para hacer frente a la irracionalidad de la tragedia. Ante el horror el ser humano se encuentra en una encrucijada: escapar a la situación o enfrentarla con lo mejor de nosotros mismos.

 

 

Miriam Rodríguez tomó el segundo camino poniendo sus inquietudes y recursos artísticos al servicio de esta causa. Durante largo tiempo se ha dedicado a acompañar la incansable labor de búsqueda y apoyo de una organización civil, Familias Unidas por Nuestros Desaparecidos Jalisco, mejor conocida por sus siglas FUNDEJ, integrada por mujeres y hombres que son madres, cónyuges, hijos y hermanos, de personas desaparecidas en nuestro estado.

 

 

Poder Blando – Historias de búsqueda documenta este largo proceso de acompañamiento. El título se apropia del término acuñado por Joseph Nye, profesor de la Universidad de Harvard, en 1990 que se refiere a la habilidad de influenciar la conducta de otros a través de medios culturales e ideológicos para alcanzar los resultados deseados. Si bien originalmente el término estaba orientado a la política exterior, su autor reconoció luego la importancia de las acciones de los individuos para generar cambios en las estructuras sociales.

 

 

La Sra. Guadalupe Aguilar, fundadora de FUNDEJ, es un ejemplo del ejercicio del poder blando, una motivación y guía para llevar a cabo su heroica labor. La desaparición de su hijo la llevó a cambiar radicalmente su vida y a dedicarla por completo a su búsqueda. Este trágico suceso, y el encuentro en el camino con personas que padecen la misma nefasta circunstancia le enseñaron que la única manera de sobrevivir a esa situación es a través de la solidaridad, de transitar el camino en compañía, de compartir lo aprendido y de aprender de los demás. “No estás sola” es la frase con la que recibe a las personas que se incorporan a la búsqueda de sus seres queridos, creando de inmediato una red basada en la fraternidad y la comprensión.

 

 

Las luchas por las que tienen que pasar los miembros del colectivo son inmensas e injustas, sin embargo, nunca pierden de vista que quienes tienen que realizar las búsquedas como una actividad laboral son también personas. La rutina que realizan constantemente en su acompañamiento a las instituciones en la búsqueda de desaparecidos, las ha llevado a capacitarse en actividades de corte forense, a aprender a registrar los hallazgos, a saber de genética, pero también a entender cómo utilizar estas herramientas para pedir resultados y exigir que se hagan las cosas bien y a tiempo. Se han enseñado a pelear, a gritar cuando hay que hacerlo y a mostrar empatía cuando es necesario.

 

 

Una de las acciones que más me sorprendió es la que realizan al llevarles comida a los encargados de buscar a sus familiares en el SEMEFO para agradecerles su labor y también para ablandarles el corazón y tratar de comprometerlos para que hagan bien su trabajo. Me pareció injusto que ellas tuvieran que ofrecer esa muestra de reconocimiento por algo que debería serles otorgado por derecho; me disgustó también que esa actitud pudiera interpretarse de manera equivocada, como chantaje o victimización. Sin embargo, luego entendí que era un acto de compasión, una estrategia humanizante.

 

 

Las abrumadoras cifras de desapariciones y la impunidad rampante han logrado normalizar la violencia, convirtiendo a las víctimas en meras estadísticas, quitándoles todo rastro de humanidad, despojándolas de nombre, rostro, familia, vínculos con las personas que los extrañan. Devolver la calidad humana a todos los que se ven involucrados en estos inefables hechos es un deber. La sed de justicia y un destello de esperanza mantienen en marcha con dignidad a los miembros de FUNDEJ para contar esta macabra historia que continúa repitiéndose gracias al silencio y la apatía.

 

 

El propósito de la muestra es colaborar en revertir este efecto y homenajear esas vidas absurdamente perdidas gracias al generoso testimonio de este colectivo de personas que nunca descansarán hasta encontrarlos, que nunca dejarán de quererlos, que nos muestran que sentimientos y emociones son también componentes importantes en el ejercicio de los  derechos civiles y humanos.

 

 

Para colaborar con esta tarea Miriam Rodríguez se ubica en el medio del activismo y de la organización comunitaria sin abandonar su pertenencia al mundo del arte. En un intento que le permita cerrar la brecha entre el arte y la vida, adopta y acompaña el propósito de provocar un cambio social, sin olvidar el compromiso con las familias que le abrieron las puertas de su intimidad.

 

 

Las piezas presentadas hablan de una práctica colectiva que prioriza la defensa y reivindicación de derechos y la búsqueda de soluciones sobre el culto a la personalidad del artista, esperando que con el tiempo la comunidad se apropie del proyecto y a través de acciones de poder blando, tal vez las únicas de las que disponemos, se pueda hacer frente efectivo a los poderes políticos y sociales.

 

 

Mónica Ashida Cueto

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Tɨkarixa Mɨtiuxutuiwe | Liberal Youth Ministry + Dream Baby!

Del 14 de octubre al 31 de diciembre 2022

 

Mu’ú hipame ‘eriya mɨkanaki’erie ‘apaɨta ta hipame mɨti’uuta. Mɨɨkɨ maiyá herí peuyewetse ya pɨkahauyewetse pɨkatiku’eriwa, mu’ú ‘iyaari, tatɨ pɨyɨkwewirie ke’anetɨ ‘eriya waɨka ‘iyaaritɨarika mexeiya hetsie heutawetɨ. ‘ɨtsikika wewiwaamete Antonio Zaragoza metá Kenia Filippini wahekɨ ‘iyaari ke mɨtiuka’eriwa metá mu’ú tita tukaarikɨ mɨtixeiya, mɨɨkɨ ‘eriyate pɨwaparewie memɨtemaikakɨ, memɨtewewiekakɨ. ‘Iikɨ ‘eriyate waɨkáwa pɨwaparewie mɨiremekɨ mɨtɨrɨkaɨyekɨ. Tawarí tsiere mu’ú ‘iyaari mɨtanieretsie pɨhɨkɨ heinɨtsika.

Mɨɨkɨ tsɨ ‘iyaari nutui ta mapuyukunarɨma, ‘apɨta ‘ɨtsikika wewiwaamete mepɨtemaitɨwe mɨrakamie wewierika hetsíe meheuti’eriet+. Mɨɨkɨ mɨtiyuhekɨa ‘ayɨweka wawewiyarikate hetsíe, wakɨmana, mɨrakamie pɨyuwaikanɨa, pɨtiyuwapane. Ayɨweka ya memɨte’u’uuximata mepɨyɨwawe ke ti’anenetɨ nierikate waheinɨtsika mɨtiyukuhekɨkɨarekɨ. Timaikame francés Gaston Bachelar paɨ paine kename hekɨapá ke mɨtiyɨane mɨɨkɨ tatɨ tiuyutiheinɨ meri. Xɨka heinɨtsika kahayu’eriwanike pɨkayɨwenike mɨrakamie mɨtiuyuta’erieni, mɨɨkɨ pɨhɨkɨ wimari tɨkarixa matɨa tukaarixa, kutsi matɨa nieriya, maana pɨtiyutiwewiwa.

‘Iik+ hekɨatsika pɨyuhekɨata naná tɨrɨkaɨyemekɨ, maana pɨyutiwaika ‘eriyate, tukaarite, nierikate, mɨtiyu’eniɨriɨkɨte pɨtiyuwaikane, pɨtitukumaɨwa. Paɨ pɨreyukupine, pɨreku’iyaaritsietɨka wewiyate Liberal Youth Ministry tsiere Dream Baby!

 

Rodrigo Santoscoy
‘uximayátsikaya

 

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In the Darkness of Matter, a Blossoming | Liberal Youth Ministry + Dream Baby!

October 14–December 31, 2022

 

The brain differentiates between memories, storing up some while setting aside others. Far from organizing information on the basis of its value or utility, the memory operates through emotional bonds that have been developed in cognitive processes. For designers Antonio Zaragoza and Kenia Filippini, both bodily sensations and images of everyday life constitute the memories that make up their creative imaginary. These memories play a fundamental role, owing to their great symbolic power. Another landscape in which memories operates is that of dreams.

Far from being confined to a state of perpetual melancholy, these designers project toward the possibilities of the future: a horizon explored by way of its visual and tactile qualities. Thus, the future is presented as a material to be manipulated and transformed. This process is made possible by the symbols that manifest themselves in dreams. The French philosopher Gaston Bachelard believed that reality, rather than being a conscious spectacle, is a dreamlike experience. Without the memory of dreams, it would be impossible for us to imagine a future, for it is in the course of this dialogue between day and night, between sleeping and waking, that the future is fashioned.

 

This exhibition is presented in the form of a great rhizome, out of which memories, experiences, images, sounds, textures, and even cellular processes such as mitosis are articulated. The cellular division known as mitosis consists in the creation of genetically identical cells, in the same way that the work of Liberal Youth Ministry and Dream Baby! is here presented.

 

Rodrigo Santoscoy
Curator

 

 

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Imperios de lo Plural. Wewiyarikate Fundación de Arte Cisneros Fontanals

Tita ranuyɨne witsi tiwewiyarika hiikɨ timieme. Kehate pɨwahetsie mieme. Witsi tiwewiyarikate xexeɨriwame ya mɨti’anenetsíe ke yéme meteyuruwame. ‘Iiwaurikatsɨ ya pauka muti’eiya kaneyɨwe, mɨɨkɨ rixɨa pɨtatsiparewieni ‘iikɨ hekɨatsika temeti’enietɨkɨnekɨ.

 

Fundación de Arte Cisneros Fontanals (CIFO) muyutanuiwitsitɨatsíe, tatsɨari 2002 wiyari, ‘ana paitɨ tɨrɨkaɨyeme ‘aneme ‘uuximayátsika patiweiyarɨme hiikɨ wewiyarikate latinoamérica mieme.

 

Hiikɨ wewiyarikate latinoaméricano mieme mɨyuhekɨata Colección CIFO hetsíe, maana tewewiekate yutsata mehɨtɨkaitɨ mepɨkaniere, metá naitsarie kiekataari, yutsata mete’uhutɨ, mɨireme mete’uuximayátɨ. Mɨɨkɨ kiekataari Argentina, Brasil, Colombia, Chile, Cuba, Ecuador, Guatemala, México, Perú, Uruguay tsiere Venezuela, hipatɨ yu’uuximayátsika mepanukuweiyaxɨa yukie me’uku’eirixɨaka. Hipatɨ mepɨteuyuta’ɨkitɨaxɨa yukie, hurawa ‘etsikera witsi tiwewiyatɨarikate mɨrayexeiyatɨka wahetsɨa hipatɨ ri ta ‘etsikwera yémekɨ manuyetei watsíe mepɨte’uyuti’ɨkitɨa. Yuwaɨkáwa timɨiremetsíe metekanieretɨ yu’uuximayátsika mepɨyeweiyatɨka yatɨni hipatɨ meripai tiwewiya matɨa mɨtihehekwa mepɨte’anutinɨitɨwatɨka, mɨɨkɨ ri ‘iikɨ nuiwarikatsíe tiwewiyatɨarikate yeikame. Ke mɨtiwayakɨ, yu’uuximayátsiya ya meteweiyatɨ ‘akuxi ri ta maiyá meyeiketɨwetɨ, yuwewiyatetsíe naime mekatenikayunitɨwani, paɨ meteheikuhanatɨ kename tita memɨteyewewixime hetsíe tiyuxeiyatɨ tiyuti’iyaaritani metá reyutimaitɨyeikani memanuwaikatɨwetsíe ke mɨraku’ane.

 

Meripaitɨ ke mɨtiuhuritɨkai, witsi wewitɨarika mɨrayuyexeiyakai kename naitɨ ranuyutahuuta hetsíe tiyukanieretɨ, tatsɨari: meripai timieme ‘apaɨta tiheekwame; mɨtiyuhekɨkɨa ‘apaɨta mɨkatiyuhekɨkɨa, ‘eena hura timieme ‘apaɨta naitsarie timiemie; naitsarie timieme ‘apaɨta ‘eena xeikɨa timieme; metá kename ke witsi tiwewiya mɨrayumaikai, hiikɨ ri mɨɨkɨ pɨka’ayuyexeiya. Pɨta witsi wewiyate mɨyutihekɨata hetsiena pɨtiyukaxeriya Latinoamérica nierikaya ke mɨ’ane.

 

Mɨɨri ta, tewewiwamete yu’uuximayatsikatsíe, maiyá ‘iyeikiya mɨyuyewenarɨme hetsíe mepɨkawɨ, tewimaiyárika hetsíe timieme, tewikiekarípa maiyarikatsíe timieme, mɨɨkɨ maiyá manukuheete, tsaurixikate memiwewie hetsíe meneyuyexeiya maana meheutiwɨtɨ witsi wewiyate meteneyeweiya.

 

Xɨka xexuime ‘uuwa witsi wewiyate mɨyukanieritɨa hetsíe te’utiyeiké titatsíe mɨtiyuhekɨa kename latinoamerica mekiekataari, maana tsɨ ‘uuxí tenetiyɨni. Xɨka ta teheiti’enietɨkɨne kename wa’uuximayátsika tiparewie kiekaripa ke mɨtiyɨane temɨteti’iyaaritaanikɨ, maanatsɨ teneiti’enietɨkɨne tita rayexeiyatɨka Latinoamérica xeikɨa katimieme, tamɨtsiere hiiki tatukaaripa timieme.

 

 

Jesús Fuenmayor
Tita mɨtiyuhekɨata ‘aixɨ mɨtiutiyuri

 

 

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Plural Domains. Selected Works from the Cisneros Fontanals Art Foundation Collection

From September 4th, 2022 – January 8th, 2023

 

What is contemporary Latin American art? Who are its exponents? What is the role of art collectors in this sphere? These are difficult questions to answer, but they allow us to relay with concision the content of the exhibition.

 

Since its inception in 2002, the Cisneros Fontanals Art Foundation has shaped one of the most extensive and substantial programs of contemporary Latin American art. 

 

Contemporary Latin American art, as reflected in the CIFO Collection, includes artists from all generations, countries of origin, fields, preferences, and experiences. Established, mid-career, and emerging artists from Argentina, Brazil, Colombia, Chile, Cuba, Ecuador, Guatemala, Mexico, Peru, Uruguay and Venezuela, many of whom have found other horizons beyond their places of origin. All these artists have been trained both in the academic fields of their countries and in the art schools of the reputed avant-garde centers. Many of them are immersed in a range of multidisciplinary or hybrid practices in which both traditional and the most innovative methods come together, as they incorporate into their work the infinite gamut of resources that constitute the repertoire of contemporary art. If all this diversity were not enough, most of them combine different fields of knowledge and ground their work in research, that is, they see art as an exercise in searching and a reflection upon the sociocultural environments in which they perform.

 

The old dichotomies that drove continental art, to wit: tradition vs. revolution; localisms vs. universalisms; the figurative vs. the abstract; political-apolitical; public-private; and so many other categories that infused certainty into the debate on regional art, are no longer operative in the contemporary world. As few of them continue to take recourse to iconographic or narrative language to define Latin America identity, each new work tends to be a challenge to the stereotypes of what is Latin American. 

 

In addition, the programs under which the artists operate are many, whether they be derived from post-colonial or representation theory, from entropy or systems theory, from epistemology or the social sciences, taking on topics as complex as those posed by the new philosophical materialisms.

 

Most probably, if we search each and every one of the works of this exhibition for some trait that will identify them with their Latin American-ness, we will be taking on a very arduous task. But if we understand that their contribution has been to configure a space of dialogue and plural reflection, we will be able to find in each of them the dominant imperatives, not only of Latin America, but of our very contemporaneity.

 

Jesús Fuenmayor
Curator 

 

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En la noche de la materia, florece | Liberal Youth Ministry + Dream Baby!

Del 14 de octubre al 31 de diciembre 2022

 

El cerebro discrimina ciertos recuerdos, o por el contrario, almacena otros. Lejos de organizar la información como valiosa o utilitaria, la memoria opera de acuerdo a los vínculos afectivos que se desarrollan en los procesos cognitivos. Para los diseñadores Antonio Zaragoza y Kenia Filippini, la sensación corporal o las imágenes de lo cotidiano, son recuerdos que forman parte de su imaginario creativo. Estas memorias tienen un papel fundamental por su gran poder simbólico. Otros paisajes desde donde opera la memoria son los sueños.

Lejos de circunscribirse a un estado de melancolía perpetua, los diseñadores proyectan hacia la posibilidad de futuro. Este horizonte se explora desde sus cualidades plásticas, así, el futuro se presenta como una materia que se manipula y se transforma. Este proceso es posible gracias a los símbolos que se manifiestan en los sueños. El filósofo francés Gaston Bachelard sostiene que la realidad antes de ser un espectáculo consciente, es una experiencia onírica. Sin la memoria de los sueños nos sería imposible imaginar un futuro, es en este diálogo entre la noche y el día, el estar dormido y estar despierto, desde donde se confecciona.

 

La exposición se presenta como un gran rizoma, desde donde se articulan recuerdos, experiencias, imágenes, sonidos, texturas y procesos celulares como la mitosis. Esta división celular consiste en la creación de células genéticamente idénticas entre sí, de la misma manera en que se presentan Liberal Youth Ministry y Dream Baby!

 

Rodrigo Santoscoy
Curador

 

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point line space time | Peggy Espinosa + Impronta

Peggy Espinosa, editor-designer (Petra Ediciones)

in collaboration with Impronta Casa Editora

 

From June 19th to October 23rd, 2022

 

punto línea espacio tiempo [point line space time] explores the conceptualization, design, and creation of a book through graphic design exercises conceived by the designer (and director of the publishing operation Petra Ediciones) Peggy Espinosa. Normally, the conceptualization of a book is developed in the course of its design and layout (grids, dummies, typographical exercises, corrections), but this is never shown explicitly in the book. One of the aims of the exhibition is to reveal the traces of these processes.

 

In this way, the pieces created by Peggy Espinosa for this exhibition seek to open windows onto the process of book production, exploring its rhythms, spaces, and silences. This presentation of the processes endeavors to make manifest the ways of seeing and the hidden languages that we engage with in the act of reading a book.

 

 

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Imperios de lo Plural. Obras selectas de la Colección de la Fundación de Arte Cisneros Fontanals

Del 4 de septiembre 2022 al 8 de enero 2023

 

 

¿Qué es el arte latinoamericano contemporáneo? ¿Quiénes son sus exponentes? ¿Cuál es el papel del coleccionismo en este ámbito? Son preguntas difíciles de responder, pero nos permiten relacionar de manera concisa el contenido de la exposición. 

 

Desde su creación, en 2002, la Fundación de Arte Cisneros Fontanals (CIFO), ha conformado una de las más extensas y sólidas programaciones de arte contemporáneo latinoamericano. 

 

El arte latinoamericano en la contemporaneidad, tal y como está reflejado en la Colección CIFO, incluye artistas de todas las generaciones, procedencias, formación, preferencias y experiencias. Artistas establecidos, de carrera media y emergentes, procedentes de Argentina, Brasil, Colombia, Chile, Cuba, Ecuador, Guatemala, México, Perú, Uruguay y Venezuela, muchos de los cuales han encontrado otros horizontes fuera de sus lugares de origen. Unos y otros son artistas que se han formado tanto en los espacios académicos de sus países como en las escuelas de arte de los llamados centros de vanguardia. Muchos de ellos atraviesan diversas prácticas multidisciplinarias o híbridas en las que participan los medios tradicionales como los más novedosos, incorporando a su trabajo la infinita gama de recursos que configura el repertorio del arte contemporáneo. Por si fuera poca esta diversidad, la mayoría combina distintas disciplinas del conocimiento y basan su trabajo en la investigación, es decir, entienden al arte como un ejercicio de búsqueda y reflexión sobre el entorno sociocultural en el que actúan.

 

Las viejas dicotomías que guiaban al arte del continente, a saber: tradición vs. revolución; localismos vs. universalismos; figurativismo vs. abstracción; político-apolítico; público- privado; y tantas otras categorías que daban certezas al debate del arte regional, ya no operan en la contemporaneidad. Como son pocos los que siguen recurriendo al lenguaje iconográfico o narrativo para definir la identidad latinoamericana, cada nueva obra suele ser un reto a los estereotipos de lo latinoamericano. 

 

Por otra parte, son muchos los programas bajo los que los artistas operan, ya sea los derivados de las teorías poscoloniales y de la representación, de la entropía o de las teorías de sistemas, de la epistemología o las ciencias sociales, abordando temas tan complejos como los planteados por los nuevos materialismos filosóficos. 

 

Es muy probable que si buscamos en cada una de las obras de esta exposición algún rasgo que los identifique con la latinoamericanidad, tengamos una labor muy ardua por delante. Pero si entendemos que su contribución ha sido la de configurar un espacio de diálogo y reflexión plural, podremos encontrar en cada una de ellas los imperativos dominantes no sólo en Latinoamérica sino de nuestra contemporaneidad.

 

 

Jesús Fuenmayor
Curador

 

 

 

 

 

Imágenes:
 
Julieta Aranda, Herramientas para Infinitos Monos: Un impresionante ejemplo práctico – (y desvanecido subrepticiamente), 2012. Serigrafías sobre papel y espejo, banderines (cordel, acetato), máquina de escribir modificada, hoja de plata, cerámica, polvo de plata, aplique de vinilo y audio. Colección de la Fundación de Arte Cisneros Fontanals.
 
Manuela Ribadeneira, Horizontes artificiales, instrumentos de reflejo. El espacio entre la duda y la certeza, de la serie El arte de navegar, 2013. Lentes ópticos, espejos ópticos, madera, latón, niveles, filtros, vidrio y plomadas. Colección de la Fundación de Arte Cisneros Fontanals.
 
Jorge Méndez Blake, Pabellón negro / Biblioteca abierta, 2013. Materiales diversos. Colección de la Fundación de Arte Cisneros Fontanals.
 
Jorge Pedro Núñez, Nature Morte with Monuments [Naturaleza muerta con monumentos], 2010.
Esculturas realizadas a partir de discos de vinilo. Colección de la Fundación de Arte Cisneros Fontanals.
 
Eduardo Abaroa, Fragmentos para manos humanas X, 2012. Materiales diversos. Colección de la Fundación de Arte Cisneros Fontanals.
 
David Lamelas, Tiempo como actividad (Londres), 2011. Película de 16 mm transferida a video. 00:17:30. Colección de la Fundación de Arte Cisneros Fontanals.
 
Antonio Caro, El lobo, 2013. Libro de artista, documentos, carteles y fotografías. Colección de la Fundación de Arte Cisneros Fontanals.
 
Ilich Castillo, Confirmación de los acontecimientos II, 2017. Páginas de enciclopedia, objetos encontrados de plástico, plataforma de MDF. Colección de la Fundación de Arte Cisneros Fontanals.
 
Miguel Amat, Tecnologías de archivo, 2004 – 2009. Nueve copias tipo C-print montadas con Diasec. Colección de la Fundación de Arte Cisneros Fontanals.
 
Elena Damiani, Syzygy I, Syzygy II, 2016. Mármol, travertino tallado y pulido a mano, cobre, acero inoxidable. Colección de la Fundación de Arte Cisneros Fontanals.
 
Elena Damiani, Umbra Penumbra I, Umbra Penumbra II, 2016. Impresión giclée sobre papel de algodón. Colección de la Fundación de Arte Cisneros Fontanals.
 
Laura Belém, Jardín de las esculturas II, 2011. Polvo de mármol y popotes de plástico. Colección de la Fundación de Arte Cisneros Fontanals.
 
Miguel Calderón, Presa fácil, 2013. Video HD, color, sonido. 00:33:02. Colección de la Fundación de Arte Cisneros Fontanals.
 
José Gabriel Fernández, Interior No. 1, 2013. Gesso acrílico sobre madera contrachapada y MDF. Colección de la Fundación de Arte Cisneros Fontanals.
 
Carlos Martiel, Condecoración Martiel, Carlos, 2014. Fotografía, video y medalla con piel del artista. Colección de la Fundación de Arte Cisneros Fontanals.
 
Sandra Nakamura, De incolora a blanco, 2016. Escultura de sal y pintura sobre muro. Colección de la Fundación de Arte Cisneros Fontanals.
 
Cecilia Vicuña, Quipu Akon One, 2019. Técnica mixta. Colección de la Fundación de Arte Cisneros Fontanals.
 
Nicolás Paris, Salón de clase para aprender lo que no se puede aprender (o una escuela invisible), 2019. Tubos de acero, objetos encontrados, rueda, cartón, cinta, pintura, ejercicios, conversaciones y tiempo compartido. Colección de la Fundación de Arte Cisneros Fontanals.
 
Claudia Martínez Garay, Sub América, 2019. Acrílico sobre madera contrachapada. Colección de la Fundación de Arte Cisneros Fontanals.

 

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punto línea espacio tiempo | Peggy Espinosa + Impronta

Peggy Espinosa editora-diseñadora de Petra Ediciones en colaboración con Impronta Casa Editora

 

Del 19 de junio al 23 de octubre de 2022

 

punto línea espacio tiempo puyutuukaritɨa mɨtitixeiyakɨ xapa libro wewiya ‘uyeya ke mɨrehane, katsutɨtɨ ‘iyaari mɨyutanuiwatsitɨanitsíe, ‘ɨtɨmana mɨyutaxériya metá mɨyutawewieni, ya’aimieme Petra Ediciones, Peggy Espinosa nierika putiwewi. Paɨ pɨti’ane, ke mɨtiuyɨne xɨka xapa libro ‘utawewieni tita maana mɨreuyewetse (tatsɨari ke mɨtayeure, ke mɨtatsuiré, letra ke mɨpapáni, ke ‘anenetɨ nierika mɨtiyutiwewieni, metá ‘aixɨ mɨyutayurieni) mɨɨkɨ tinaitɨ xapatsíe hekɨapa pɨkatiyuxeiya. ‘Aimieme ‘iikɨ hekɨatsikatsíe pɨreyutimani ke paɨ xapa libro wewiya mɨyɨne.

 

 

Mɨpaɨ, ke ti’aneme mɨtiuta’uuximayátaxɨ Peggy Espinosa ‘iikɨ hekɨatsika, kɨmana ‘itupari peuyepieni mɨtiyutixeiyakɨ ke paɨ xapa libro pɨrayuwewiwa, kepaɨtɨ tuukari peuyewetse, ke ‘anekɨa pɨtiuyɨne, kaiwatɨ ‘umakaku kapuyɨne. Kɨmana ‘ɨkitɨarika pɨyuyetua mɨreyutimanikɨ ke paɨ tawarí mɨtiuniere metá pɨreyutimani niuki ke’anetɨ mɨ’awietɨ ke pauka xapa libro temɨterɨwani hetsíe.

 

 

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punto línea espacio tiempo | Peggy Espinosa + Impronta

Peggy Espinosa editora-diseñadora de Petra Ediciones en colaboración con Impronta Casa Editora

 

Del 19 de junio al 23 de octubre de 2022

 

punto línea espacio tiempo se plantea explorar el proceso de conceptualización, diseño y creación de un libro a través de ejercicios gráficos de la editora-diseñadora de Petra Ediciones, Peggy Espinosa. Usualmente, la conceptualización que se hace desde el diseño y la edición de los libros, (retículas, ejercicios tipográficos, bocetaje, correcciones) jamás es mostrada en el libro de forma explícita. Uno de los objetivos de la exposición es dejar huella de estos procesos.

 

 

Así, las piezas que trabaja Peggy Espinosa para esta muestra pretenden abrir ventanas hacia el proceso de producción de libros, considerar sus ritmos, espacios, silencios. Esta puesta en escena de los procesos intenta exhibir las maneras de mirar y los lenguajes ocultos con los que nos enfrentamos en el acto de leer un libro.

 

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‘Uká Yɨwi | D-due

Paɨ pɨti’ane, tataɨta, ta’iyaari hetsíe yapɨtiyeyeika ‘uká yɨwitɨ. Kiekaritsíe Galicia mɨreyɨane, ‘ukári yamemɨ’ánene yuxaɨta mepɨtaama hɨkɨa mɨreukayune maana  kiekaritsíe. ‘Ukí hepa mutahikweni panuyɨne mutayɨre, kwatsari memeu’anene wahepaɨ mutayɨre. ‘Ukári temaikate, wimarima, naime tita gallego mɨrayuyexeiya ‘ɨwiyamete mepɨhɨkɨ. Mɨɨkɨ mɨtiyɨxaɨye mepuutanaki’éri, yutemawierika metatuatɨ, mepuyuti’ɨkitɨa mema’eriwanikɨ kename tukaari tumuanari hɨkɨ. Kiekaripa ya meteheuyewetɨ, ‘ukári mara’akate, mɨɨkɨ mepɨhɨkɨ gallega ‘iyaarieya memɨxewiriya, kiekari naanáya yamemɨte’ayexeiya, maana paɨ mɨranuyɨne kename temawierika tukaari mɨkiriya matɨa ‘umie.

 

Naxi metá tɨxatsari ke mɨ’ánene, metá hekɨakamekɨ ‘ayukumaikame, maana tiyukanieretɨ pɨyutiwewi ‘itari mɨyuhekɨata kita. Waɨkamexɨa kiekaripa Galicia ‘akuxi payuyexeiya yeiyari maana paɨ memɨte’uhú yunaitɨ meuyukuxexeɨriwatɨ tuuturi ‘itariyari ‘uyeta memutiwewiwa kepauka ‘ixɨarari Corpus Christi matineikatsíe. Mɨɨkɨ pɨxatsiwa ‘uuximayátsika tinakemekɨ, kɨmana kemakamekɨ ‘anenetɨ ‘utɨarika muyutiwewiwa, ‘inɨatsitɨ ‘utɨarika payuka’utɨwa maana yuhekɨakatɨ kiekari yeiyarieya. Nenewierika payuyexeiya xuiyatsíe, kɨmana ‘uuximayatsika ‘iyaarimekɨ metá temaikɨmekɨ pɨyuwewie mɨɨpaɨ maiyá meripaitɨ mieme pɨtiyuyeweiyarɨme, mɨpaɨ tewewiwamete mepɨtekuhekɨata, hekwamete mewa’ɨtsikikatɨakutɨ, ‘aixɨ me’iyurikutɨ metá me’i’eirikutɨ ‘uxa’a warie miemekɨ.

 

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Woman in Black | D-due

From May 8th to September 11th, 2022

 

In a way, there is always a woman in black occupying a singular space in our imaginations. In the case of Galicia, these women have been in themselves a social phenomenon for generations. Surviving their husbands entails a transformation of identity that involves donning the color of the crow. Receptacles of ancient wisdom, guardians and administrators of the oral traditions of the Galician people, they have given up the enjoyment of abundance and accepted the color black, constituting a sort of memento homo. Shamanic figures intrinsic to the Galician countryside, they represent an unmistakable sign of regional identity, rooted in immemorial traditions where joie de vivre walks hand in hand with an awareness of one’s mortality.

 

The chromatic qualities of charcoal and ash, as well as their symbolic resonances, have been essential to the conceptualization of the tapestries presented in the exhibition space. In many places in Galicia the communal tradition of celebrating the feast day of Corpus Christi remains alive, with tapestries of flower petals laid down on the streets of local neighborhoods. The tradition is a work of precision, in which carefully calculated ornamental designs lend continuity, through the shell of custom, to ancestral forms. The ritual is connected with the practice of embroidery, a form of handiwork in which the sensibilities and esthetic criteria of all those who have contributed to the practice in the past are transmitted to the world by the artisan, able to inherit them, perfect them, and then hand them on.

 

About the project

Mujer de negro [Woman in Black] is a project by D-due in collaboration with 90_20.

 

90_20 is a transdisciplinary platform for cultural productions. The name alludes to the

distance on a straight line between Spain and Latin America. 90_20 connects the two sides

of the Atlantic, helping to develop interdisciplinary projects that foster collaboration within

the fields of contemporary art, architecture, design, music, and technology.

 

D-due is a creative studio that work in multiple areas whose interaction defines a lifestyle project rather than an exclusively fashion project. Charo Froján and Alfredo Olmedo are the design team behind D-due. Inspired by the rural traditions of the province of Galicia in Spain, their work reflects a dialogue between the profession of tailoring and the physical environment.

 

Charo Froján is the connection with the workshop, the technical and volumetric development, and clothing engineering. Alfredo Olmedo is responsible for the conceptual design, drafting, and artistic creation.

 

 

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Mujer de negro | D-due

Del 8 de mayo al 11 de septiembre de 2022

 

En cierta medida, siempre hay una mujer de negro que habita un espacio singular en nuestro imaginario. En el caso de Galicia, esas mujeres han sido durante generaciones un ente social en sí mismo. Sobrevivir al varón produce el salto identitario que entraña vestir del color de los cuervos. Receptáculos de sabiduría, guardianas y administradoras de la transmisión oral de todo lo que constituye al pueblo gallego. Ellas han aceptado el negro para, sacrificando el goce de la abundancia, instituirse como memento homo. Figuras intrínsecas al entorno rural, figuras chamánicas, son una señal inequívoca de la identidad gallega que acercan a los remotos senderos de la raigambre, donde la alegría de vivir camina a la par de la muerte.

 

Las cualidades cromáticas del carbón y la ceniza, así como su condición de agentes simbólicos, han sido definitivas a la hora de conceptualizar las alfombras presentadas en una de las salas de la exhibición. En muchos barrios de Galicia se mantiene aún viva la tradición vecinal de elaborar en comunidad alfombras de pétalos de flores sobre el pavimento de la calle para celebrar la festividad del Corpus Christi. Se trata de un trabajo de precisión en el que, a partir de unas líneas maestras, se generan gráficos ornamentales muy calculados que dan continuidad a lo ancestral a través de la forma. El ritual se funde con la práctica del bordado, un modelo de labor en el que la sensibilidad y el criterio estético de todos aquellos predecesores que han generado conocimiento, son transferidos al mundo por el artesano, capaz de heredarlos, perfeccionarlos y transmitirlos.

 

Acerca del proyecto:

Mujer de negro es un proyecto de D-due en colaboración con 90_20.

 

90_20 es una plataforma transdisciplinar de producciones culturales. Su nombre alude a la distancia en línea recta que existe entre España y Latinoamérica. 90_20 conecta ambos lados del Atlántico, impulsando el desarrollo de proyectos de cruce disciplinar que promueven la colaboración entre el arte contemporáneo, la arquitectura, el diseño, la música y la tecnología.

 

D-due es un estudio creativo que se desenvuelve en múltiples áreas, cuya interacción define un proyecto de estilo de vida más que uno exclusivamente de indumentaria. Inspirándose en el medio rural de Galicia, las piezas son un diálogo entre la profesión de sastre y el entorno físico. Charo Froján y Alfredo Olmedo son el equipo de diseño detrás de D-due.

Charo Froján es la conexión con el taller, el desarrollo técnico, volumétrico y la ingeniería de la confección. Alfredo Olmedo se encarga del desarrollo conceptual, el dibujo y la creación artística de los diseños.

 

 

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Living in Limbo & Dreaming of Paradise

Marcel Dzama

 

In these days of forced lockdowns required by the pandemic, Marcel Dzama worked at home on drawings that expressed the nostalgia he felt for places he had visited recently and would not be able to return to at any fixed date, given the prevailing uncertainty. Travel and the exploration of nature are themes that have become recurrent in Dzama’s work. The series presented in the exhibition Living in Limbo & Dreaming of Paradise was inspired by photographs the artist took during his most recent trips to Mexico, Morocco, and Fire Island, back when the world still seemed normal. The result is a group of images of tropical vegetation, forms of play, and reverie, along with a characteristic selection of Dzama’s mysterious personages, including dancers, masked figures, and fantastical hybrids. His inspiration is drawn from literature, mythology, and biblical stories. For the MAZ, the drawings transferred to lithographs, have been hand painted by the artist, so that each one is unique and unrepeatable.

 

Thinking that we were getting back to old times, we made some plans with the artist. The hand painted lithographs were to be accompanied by a large mural executed in situ by Marcel and Maurice Dzama, as well as by several public performances of the choreography of Death Disco Dance. But an unexpected personage upended our hopes: Omicron arrived in New York City and then landed in Zapopan, preventing the artist and his father from coming to the museum. We are hoping now that the virus will soon recede and that we will be able shortly to announce both the termination of the mural and dates for the live performances.

 

Along with the prints intervened by the artist, a projection of Death Disco Dance, a video the artist filmed in Guadalajara, can be seen in the museum’s reading room. Projected simultaneously on several monitors, the video is a four-minute loop with characters representing chess pieces, based on another of the artist’s films, A Game of Chess. The dancers, in masks and polka-dotted unitards, perform a synchronized choreography to a disco rhythm composed by the artist on a small drum machine.

 

Other films by the artist, to be presented in the auditorium, are A Game of Chess (2011), The Infidels (2009), and Une danse des bouffons [A Jester’s Dance] (2013).

 

Viviana Kuri

 

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Viviendo en el limbo y soñando con el paraíso | Marcel Dzama

Del 5 de febrero al 5 de junio de 2022

 

 

En los días de clausura obligatoria por la pandemia, Marcel Dzama trabajó en casa varios dibujos en los que reprodujo la nostalgia que sentía por los lugares que había visitado de manera reciente y a los que no podría regresar por tiempo indefinido, debido a la incertidumbre que aquejaba al mundo. El interés por los viajes y por la naturaleza es un tema que se ha vuelto recurrente en el trabajo de Dzama. La serie que se presenta en la muestra Viviendo en el limbo y soñando con el paraíso, fue inspirada en fotografías que el artista tomó en sus últimos viajes a México, Marruecos y a la Isla de Fuego, cuando el mundo aún parecía normal. El resultado es una combinación de imágenes de vegetación tropical, juego y ensueño, además de sus característicos personajes misteriosos con máscaras, danzantes y figuras hibridas fantásticas. Su inspiración viene de temas literarios, mitología o pasajes bíblicos. Para el MAZ, el artista intervino con pintura manualmente cada una de las litografías, dándoles un carácter único e irrepetible.

 

Creyendo que regresábamos al tiempo anterior, hicimos planes junto con el artista: las litografías intervenidas estarían acompañadas por un gran mural hecho in situ por Marcel y Maurice Dzama, además de una coreografía de Death Disco Dance que tendría varias funciones públicas. Pero un personaje inesperado se impuso a nuestras ilusiones, Omicrón llegó a Nueva York y después aterrizó en Zapopan, impidiendo que el artista y su padre viajaran y llegaran al museo. Ahora, nos queda la esperanza de que a lo largo de la duración de la exposición el virus deje de acechar y en breve podamos anunciar tanto la conclusión del mural como las fechas para presentar el performance en vivo.

 

Junto con las impresiones intervenidas, en la Sala de Lectura se exhibe Death Disco Dance, video que el artista filmó en Guadalajara. Instalado en varios monitores de manera simultánea, el video es un bucle de cuatro minutos con personajes que representan piezas de ajedrez basados en otro film del artista A Game of Chess (Un juego de ajedrez).  Las danzantes con máscaras y leotardos de puntos, bailan una coreografía sincronizada, al ritmo de una pista disco que el artista creó con una pequeña máquina de tambor.

 

Otros filmes del artista que se presentarán en el auditorio son A Game of Chess, 2011, The Infidels, 2009 y Une danse des buffons (Un baile de bufones),  2013.

 

Viviana Kuri

 

 

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Cerámica Suro: A Story of Collaboration, Production, and Collecting in the Contemporary Arts

From October 31st, 2021 to May 15th, 2022

 

They say that every passion borders on chaos. We also know that order is a monologue, whereas disorder is a dialogue. The Suro collection is the confirmation of this many-sided dialogue among multiple agents, including the collector, the artists, and the artisans, as well as the materials and time: the many years over which relationships of collaboration, work, learning, and friendship have been forged.

 

Walter Benjamin said that a collection is a collector speaking, and that, in the end, collectors only speak of themselves, of their enigmatic relation to possession, of melancholy, but above all of the tension generated in their souls by objects, their greatest pleasure. But what to say of a collection that assembles in a specific place, in addition to passion and urgency, the physical presence of the artists and artisans, the hands, the firing ovens, the clumps of molded clay, slowly taking on precise forms and revealing meanings through color. Because, like any other art collection, the Suro collection has been assembled through purchases, exchanges, and unexpected finds, but with the singular feature that most of its pieces have been forged in its very entrails, in that place of creation where the primeval clay is melded and transformed.

 

The Cerámica Suro workshop was established in Tlaquepaque in 1951. It was in the 1990s that Luis Miguel and José Noé Suro began to collaborate with visual artists to produce pieces whose formal solutions are appreciated for how they employ and maintain the traditional craft of pottery, while at the same time innovating and incorporating, apart from ceramics, other techniques. Taking advantage of the wide variety of workshops in the region, they have also explored the use of materials as varied as bronze, aluminum, fiberglass, blown glass, wood, steel, and others. This collaborative effort has resulted in pieces now in museums and collections in several other countries, while a unique collection of contemporary art has been assembled here. In this way, Cerámica Suro has become an extraordinary touchstone on both the Mexican and international contemporary art scenes.

 

Precise coordinates, a specific site, with premises in a particular city, but which is talked about in many places. The disorder of the collector underlines the presence of chance and destiny: Cerámica Suro has become an almost legendary destination for artists, where it is possible, they say, for any wish to be fulfilled.

 

Viviana Kuri

 

 

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Cerámica Suro: Yunaitɨ mete’uximayatatɨ, metewewietɨ tsiere metekuxexeɨriwatɨ wichimɨti’anéne hekwamekɨ tiwewiyaate waxatsika

Paɨ pɨtiuniuwa kename naitɨ kwinie ti’iyaarika, ‘axamɨti’anéne reutinɨ’ɨ. Tsiere temɨtehamate kename xɨka paleku tiyemieni mɨɨkɨ xei niuki xaatá yapaɨta ta xɨka hau’erietɨ ranutinɨtɨ rayuyexeiyani mɨɨkɨ mɨire niuki panuyɨne. Suro xeɨritsikaya mɨɨkɨ mɨire niuki pɨhekɨata maana’i yuwaɨkawamete mepɨteheuyehake, tatsɨari ke mɨ’áne mɨtikɨxexeɨriwa, ke mɨhate memɨtewewie; tsiere, titakɨ mɨtiwewiyatɨka, ke mɨreuteteretɨka, ke paɨ wiitarí memɨyurie meyunɨtɨ mete’uximayatɨ, metehetimamatetɨ tsiere meyu’iyamatɨ.
Walter Benjamin paɨ paine kename xeɨritsikatsíe maana tixexeɨriwaame hɨkɨ mutaniuka, mɨɨkɨ tsɨ yuhetsíe mieme naniuka, mɨtikuxexeɨriwa ke mɨtiku’ériya tsiere, yati’aneneme mɨtikuxexeɨriwa ke mɨtiku’iyaaritɨwa, tatsɨari kename kwinimieme tinaketɨka. Kwinie matsi panuyɨne xɨka ‘axeikɨa tiuyukuxeɨrieni, meyuwaɨka tetewiwamete tiwapini, wamaamate ke mɨtiuwewiwatɨka tihekɨatsietɨ, titatsíe mɨtikwaxiyarietɨka tihekɨatɨ, ke ‘anemekɨ tɨxi ya kwie mɨtiwewiyatɨka tiyuxeiyatɨ, ‘uxa mɨyukumaɨwa hekɨatɨ. Mɨɨkɨ tsɨ naitsarie xeɨritsika mɨreu’anepaɨ, Suro Xeɨritsikaya neuhekɨarixɨ mɨtiuyutinɨi tita memɨte’ukuxeɨri, tita memɨte’utipataxɨ metá hekwamekɨ memɨte’ukaxeí, naitɨ mɨɨkɨ yaxeikɨa reku’iyaaritsíetɨ, tinaitɨ tsutɨa paitɨ ratiwiyatɨ, tetɨata paitɨ ‘aixɨ maiyá pɨhekɨa, maana yemekɨ haxu watsutɨa pɨ hɨkɨ, mɨɨkɨ pɨ’itɨariene mɨwaikariene, mɨtinɨitɨarie, kɨmana mɨtiwewiya.

 

Mɨtiwawewiya Cerámica Suro pɨyukatsutɨa Tlaquepaque 1951 wiitaritsíe. Mɨtiyɨane los noventa wiyaritsíe Luis Miguel matɨa José Noé Suro mepukayúa hiipame tewewiwaamete wahamatɨa mete’uximayatɨ yunaitɨ pinite waɨkawa memɨtetiwewienikɨ mɨɨkɨ tinakemekɨ wamekateheukahɨpatɨ ‘apɨta me’eyexeiyatɨ ke paɨ haxukɨ mɨtiyu’uximayata yeiyarieya, tsiere metenɨitɨatɨ hekwame timaiyá tsiere tiwewiya, haxukɨ meta yɨkɨ pɨ ta ti’anenemekɨ. Kiekaaripa ki manuwetsíe ke tita mɨreuyu’uximayata, maana tiyuxeiyatɨ waɨkawamekɨ ri pɨtiyuwewie tatsɨari tepɨakɨ, hepaɨna bronce, aluminio, vidrio, acero metá kɨyekɨ, tsiere tiwaɨkawamekɨ. ‘iikɨ meyunaitɨ yutsata wa’uximayatsika xaɨtsie paitɨ museos metá hawai paitɨ países pɨreyuhekɨata; hepaɨtsitana, pɨtiyuye’uximayatarɨme yuxaɨta yuwewiyate tiyukuxexeɨriwatɨ. Mɨ paɨ, hiikɨ ri naitsarie kwie manumatɨkatsíe yemekɨ Cerámica Suro payéwe manuyeka wichiti’anéneme arte contemporáneo mɨtiwewiekɨ.

 

Pɨtiyuhekɨata pareku rekunakemekɨ, kiekaaripa yemekɨ ‘aixɨ rexewimekɨ, tɨrɨkaɨyemekɨ ‘akumɨirekaku. Hau’erietɨ tixexeɨriwame pɨtixewiriya kename: Cerámica Suro tiyɨane tewewiwaamete yakarayuhekɨakaku yakaruyumatsiɨkɨkaku memutiwaika, waní kename muuwa yɨwe yuheinɨtsika muxeriyá.

 

Viviana Kuri

 

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Cerámica Suro: Una historia de colaboración, producción y coleccionismo en el Arte Contemporáneo.

Del 31 de octubre de 2021 al 15 de mayo de 2022

 

Se dice que toda pasión colinda con el caos. También sabemos que el orden es un monólogo y en cambio el desorden es un diálogo. La colección Suro es la confirmación de ese diálogo multiplicado entre varios actores, desde luego el coleccionista, lxs artistas y lxs artesanos; también, los materiales y el tiempo, los años en los que se han forjado relaciones de colaboración, trabajo, aprendizaje y amistad.

 

Dice Walter Benjamin que en una colección es el coleccionista quien habla, y que a fin de cuentas no habla más que de sí mismo, de su relación enigmática con la posesión, de la melancolía pero sobre todo de la tensión que le provocan en su alma los objetos, su mayor placer. Pero qué decir de una colección que reúne en un espacio concreto, además de la pasión y la urgencia, la presencia física de lxs autores, las manos, los hornos; los amasijos que van tomando formas precisas y revelando significados con el color. Porque como cualquier colección de arte, la Colección Suro se ha formado por adquisiciones, intercambios y hallazgos, pero tiene la singular característica de que gran parte de sus piezas se fraguan en sus entrañas, es ahí el sitio de la creación, en donde el barro primigenio se amalgama y se transforma.

 

La fábrica Cerámica Suro inició en Tlaquepaque en 1951. Es a partir de los años noventa cuando Luis Miguel y José Noé Suro comienzan a trabajar de la mano de artistas visuales para producir piezas cuyas soluciones formales son valoradas por mantener y seguir  técnicas tradicionales en cerámica, pero también por innovar e incluir además de la alfarería otros oficios. Apreciando la rica variedad de talleres en la zona, se ha incursionado en el uso de materiales tan diversos como bronce, aluminio, fibra de vidrio, vidrio soplado, madera, acero, entre otros. Este trabajo colaborativo ha tenido diversos destinos en diferentes museos y acervos de varios países; a la par, se ha ido conformando una colección de arte contemporáneo propia. De esta manera, Cerámica Suro se ha convertido en un referente extraordinario en la escena del arte contemporáneo nacional e internacional.

 

Unas coordenadas precisas, un lugar específico con sede en una ciudad determinada, pero del que se habla por diversas latitudes. El desorden del coleccionista subraya la presencia del azar y del destino: Cerámica Suro se ha convertido en un destino casi mítico para lxs  artistas, en el cual, se rumora, es posible materializar cualquier deseo.

 

Viviana Kuri

 

 

 

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JäꞋäy jäꞋäy | Colmix + Impronta Casa Editora

Colmix + Impronta Casa Editora
Tikatsutɨtɨ 28 tukaari agosto metseri 2021 wiitaari, ‘utinieretɨ 16 tukaari, enero metseri, 2022 wiitaariyaritsíe.

 

Ayuujk niukiyari ‘Ayutla, Oaxaca, meyuniukakɨ “mɨtiuta’utɨani” yatɨni “tewi” mainenitsíe yaxeikɨa waníu kanekuyɨneni: yatɨtɨ ‘uwa mɨtiyuhekɨata “mɨtiuta’utɨani tewi” katinitewaka.  ‘Iikɨ “mixe-zoquetsíxi” memɨteuyuterɨwa meyu’iwamatɨ waniuki ke mutipaɨmerixɨ yu’utɨarika yeiyariyari ke memɨteiwatiweiya ‘ayehaikametsíe tekanixeiyakuni. Matɨari, “Ääts” mɨrayetewátsie, Cristo ‘utinuiwaku Siglo II ‘umiékaku ‘utɨarika meripaitɨ mieme “epi-olmeca” titéwakamekɨ “Estela 1” teeté titéwakametsíe “La Mojarra” mekaxeiyarie ke mɨrayu’utɨwakai kanihekɨaka. Huutarieka, “Peky” mɨrayetewátsie, ‘utɨarika españoltsíxi memi’atɨa Siglo XVIII ‘umiékaku kɨmana ‘ana kiekataari yuyeiyaritsíe mewareuyeyunitɨanike xeikɨa mɨtiyu’utɨakai, xapate Tatsini Fray Agustín de Quintana titewatɨ ke ti’aneneme mɨtiuti’utɨaxɨa katinihekɨaka, hairieka ta, “Tsyäm” mɨrayetewátsie, ‘éena hura ratimietɨ huuta tewiyari wiitaari ri manuyemíe ayuujk memɨteuyuterɨwa wakiekari manumanétɨkatsíe yuxewímekɨ ke memɨteu’utɨaxime kanihekɨaka. Niuki ‘éena mieme ke mɨpaɨme, “mesoamericanas” meteuterɨwarɨwatɨ, kename wa‘utɨarika yeiyariyari tsiere ‘ehetineniere mɨrayukumaikakɨ ‘ayumieme katiniyuhekɨatani, tsepá netɨ humapai mɨtiuyehane ‘aixɨ mekate’amamatiwa. ‘Ipaɨ tsiere tete’a’eriwatɨ tekateniyurieka, hiikɨ yamɨtiu’ane matɨari kiekataari taniukite heimá mukunuani tsimɨkati’uxiwa’ane, heiwatɨ mixe-zoquetsíxi meyu’iwamatɨ ke memɨyupaɨme yuniuki tsiere yu’utɨarika yeiyariyari yuyeweiyani yaxeikɨa  rayuti’utɨaximeni: jäꞋäy jäꞋäy

 

Colmix

 

JäꞋäy jäꞋäy hetsíe miemekɨ Colmix matɨa tiuyuta’uximayataka  ‘utɨariaka yɨkɨ ‘anenetɨ xexuitɨ muti’aitsíe xapatetsíe manayenexɨanikɨ, yamupauka yamɨti’anene tiwaɨkawatɨ heu’erietɨ mɨtiyuye’aitarɨme, ‘etsiwa yɨkɨ reuyunetɨ mɨtiyuwewiekakɨ katiniuyuta’inɨatá. Colmix ‘utɨarika xexuitɨ ke ‘anenetɨ mutixá, Manuel López Rocha titewatɨ kanitiwewieni tatsɨ mixe ‘utɨarikayaritsíe meuyewetɨka, ke memɨte’uniuka hípame ‘utɨarika ‘utinɨitɨaka yuxexuime kanayexɨrieni hepaɨna memɨwa’uwetsíe ke ‘aneme memeuyetsa kanitawewieni. ‘Utɨarika xexuitɨ ta meripaitɨ mieme, “epi-olmecas” mɨtitétewa, hekwámekɨ kaniuti’ɨkieni ‘útsika xapatsíe ‘aixɨ mɨtihekɨarekɨ. ‘Iikɨ ‘utɨarika xexuitɨ kaniutiwewiyani polímerotsíe tiuti’ɨkieka tsiere tepɨate ‘utikwaxiyarieka. Tepɨá ‘uxayari meripaitɨ muxuawekai xapatsíe kaneumanarieni, tatsɨ hiikɨ ri mɨkatiyukumaɨwa tihehékwatɨ xeiyá ti’utɨwame yakɨ metexɨtɨatɨ tixuawekaku. Maana rakunetɨ, mɨɨkɨ tepɨatetsíe xeníu “memɨka’amexɨxɨakai” ‘uyu’ɨwíyame ‘ipaɨ mɨtiuyu’iwawiya kaniyɨweni: ¿hakiewapaitɨ metá ke mɨ’ane hetsíe mieme kutá tepɨte’aita?

 

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JäꞋäy jäꞋäy | Colmix + Impronta Casa Editora

Colmix + Impronta Casa Editora
From 28 August 2021 to 16 January 2022

 

 

 

In Ayuujk, a Mixe language spoken in Ayutla, Oaxaca, the verb “write” is pronounced in the same way as the noun “person.” This exhibition, the title of which can be translated as “person writes,” explores three moments of the long written tradition of the Mixe-Zoquean family of languages. The first section, Ääta, shows Stele 1 at La Mojarra, with inscriptions in the ancient Epi-Olmec script that dates back to the second century. The second part, Peky, shows the Latin alphabet employed for texts composed in the early eighteenth century by Fray Agustín de Quintana, a Dominican friar, to be used in the evangelization of the indigenous population. The third section, Tsyäm, shows the alphabet developed in common by Ayuujk-speaking communities over the last forty years and currently used to represent their language. The exhibition seeks to show that there is a long written tradition in the Mesoamerican languages, which can take its place alongside the writing of other world languages, in spite of the prejudices that tend to deny it its rightful place. We hope that, in the difficult circumstances currently affecting the linguistic rights of indigenous peoples, both the oral culture and the rich written tradition of the Mixe-Zoquean languages may continue to form part of the ancient tradition in which we as human persons have expressed ourselves in writing: äy ja äy.

 

Colmix

 

 

The task of typesetting and printing carried out in collaboration with Colmix for äy ja äy attempts at a minimum to open up new horizons among the fast-paced modes of production of the graphic arts and publishing sectors. The pieces submitted by Colmix have been typeset in a Ayuujk font designed by Manuel López Rocha specifically to meet the needs of representing a Mixe language, with special ligatures for the palatalized consonants and a new typographic sign to represent the glottal occlusion. In the case of the Epi-Olmec glyphs, each one has been redrawn, in order to obtain the sharpest and clearest possible result at the printing stage. Most of the pieces have been produced by means of polymer photogravure, with Linotype fonts. The actual printing was done on old presses that have been generally replaced today by more efficient machinery that makes the process both faster and less expensive. These “slowed-down” presses give us time, therefore, to ask ourselves: why are we printing and for whom?

 

 

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JäꞋäy jäꞋäy

 

Jaatyëp ëëts. Ayuujk jä’äy ëëts mëte’ep jaatyëp. Jä’äy te’ep jaapy: tsääjkëjxp, nekyojtp, pujxetpy, te’n te’n men pat jënë’n ëëts njä’äty. Tëyëp’etëp ojts ja jaaky jo’tsk tsyonta’aky, mëët ëëts ja njënmä’äny, ja njujky’äjtë’n.

 

Ääts.

Tëkëëk piky yä’ät ejxë’n jä’wyë’n wya’kxy: mëtu’uk piky yaknëmatya’aky xë’n te’n ojts jayeen ja jaaky jo’tsk yaknëjënmayy, xë’n te’n kyaxi’iky ja awä’näx te’ep te’n ojts tyunkpääty jëts  ëëts ja n’ä n’ayuujk yakjatyany. Jajp te’n yak’ijxy xë’n ojts ja tsääj yaktako’tstu’uty jëts te’n ja tsääj takkäjpxt ja mëjä’äytëjk.

 

Peky.

Mëmajtsk piky te’n x’ejxtët xë’n ojts ja amaxän jä’äy ja jyaaky ja jyo’tsk ojts takjä’ätt jëts ja tsäjp tnëmatyä’äkt, ayuujk ojts tjä’äty ja jyënmä’äny, ayuujk ojts ja tsäjp jëts ja peky tnëmatyä’äkt.

 

Tsyäm.

Mëtëkë’ëk piky te’n x’ejxtët xë’n ja jaaky tyëkatsy, ayuujk jä’äy ja amaxän jä’äy jyaaky yaktunkpättëp jëts ja kë’m jënmä’äny yakjä’äy. ¿Tii menp këtäkp? ¿Jujky’ätänp ja ayuujk jëts ja tu’uk mëke’pxy jëmëjt yakjä’äty yakjo’otst? Wa’n ja ayuujk jaaky jo’tsk myiny kyëta’aky. Ejtp.

 

Colmix

 

Yä’ät tunk “Jä’äy jä’äy” te’ep tëë mëët ja Colmix tyu’uyo’y, tëë yaktanëpëtääk xë’n ja neky nyëkojtu’uty jëts xë’n tu’uk tu’uk ja atujkp ja awätsp yaktanëpëtääk, tëkatsy jëts aya’aky yä’ät tunk tëë yaktiny, ka’t tam ja tunk taktu’uyo’otyën pënety ja’y ja neky nyëto’ktëp ok pën ja’y ja akojnäx ttapëjktsoot, te’ep ja’y ja meeny jyënmä’äny’äjtëp.

 

Yä’ät atujkp jëts awätsp te’ep ëëts tëë yää naktunt mëët ja Colmix, “Ayuujk” ja xyëë, Manuel López Rocha ojts ja tnëjënmay jets t’iky, jëts te’n tsuj ka’pxy ja ayuujk kyaxë’ëkt ku yakjä’äty, jajp ja atujk te’ep yak’ajaymujkp mëët ja y, nayte’n tu’uk ja atujkp yak’iky te’ep ja akon tnëtënaapy.

 

Ku yë tsääjmaxän tëë nyëkojtu’uty, tu’uk tu’k ja tapäjtu’uty tëë jatëkoojk yak’auk jëts wä’äts kyaxë’ëkt ku nekyetpy nyäxt. Fotograbado mëët polímero tëë ëëts naktunkpäät, jëts ju ja awäts jëts ja atujkp nyëkojtu’uty linotipo tëë tyiny. Mëjä’äyety ja puje te’ep ëëts tëë naktunkpääty jëts neky nyëkojtu’uty, ka’t ja tsyäm ooy y’uktunët, ja’ tsyäm yaktsojkp te’ep pojë’n tuntëp jëts te’n jawään jënaky tsyoopäty ja neky. Ku yä’ät mëjä’äy pujx tyunkpääty, kuwän ku nnay’amtoojënpejtë’n ¿mää jëts pën ja neky yaktunpätëp ku nëkojtu’uty pyëtsimy?

 

Impronta Casa Editora

 

 

 

 

 

 

 

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Epilogue

From December 2nd, 2010 to  February 27th, 2011

Curator: Cristián Silva

 

 

Participating artists:
Allora & Calzadilla, Alexander Apóstol, Artemio, Pablo Bronstein, José Damasceno, Detanico & Lain, Wilson Díaz, Iran do Espirito Santo, Tamar Guimaraes, Claudio Herrera, Fabio Kacero, Cristóbal Lehyt, Tonico Lemos Auad, Jorge Macchi, Teresa Margolles, Daniel Joseph Martínez, Mario Navarro, Rivane Neuenschwander, Enrique Oroz, Fernando Palomar, Marcelo Pombo, Pedro Reyes, Cristián Silva, Luis Miguel Suro, Elena Tejada-Herrera, Javier Téllez, Johanna Unzueta, Pablo Vargas Lugo.

 

 

With a duration that spanned almost the entire second half of the twentieth century, the geopolitical, social and cultural conflict known as the Cold War also strongly determined the artistic endeavor of most of the planet.

 

In the case of Latin America, the powerful ideological devices promoted by the two great world forces found, at the same time, sympathy and resistance among writers, musicians, filmmakers and painters.

 

Indistinctly, the two supreme threats of the time – the so-called “Yankee imperialism” and “the insurrection of the proletariat” – soon became peculiar inspiring muses for the most committed artists and intellectuals of our region. Even before the phenomenon was clearly defined, it was possible to appreciate in the work of figures such as Joaquín Torres García or José Clemente Orozco the germ of a vision that would later be taken up and made more complex by essential creators such as Hélio Oiticica, Ana Mendieta or Juan Downey, to the most recent contributions of Doris Salcedo, Cildo Meireles or Luis Camnitzer (to name just a few examples in which the visual arts of the continent were irretrievably marked by the compasses of this global confrontation).

 

However, as of 1989 and after the consequent collapse of the so-called Eastern Bloc, the previous conditions seemed to radically change course: in Latin America the military dictatorships were overthrown, some popular resistance organizations were dismantled, while some new and unsuspected political, economic and corporate alliances emerged… This panorama, which apparently indicated the end of the confrontation, kept mutating over the years into a situation that today presents new edges, contradictions and polarizations.

 

The most recent generations of American artists have picked up the legacy of their predecessing colleagues, and have been filtering from a new approach – subtler, tangential, sometimes even intimate, often unconscious – the evolution of this conflict, two decades after it having “officially” concluded.

 

Through the use of the most varied methodological, poetic and technical procedures, flirting with elements from advertising, vernacular crafts, journalism, architecture, statistics, cinema, parapsychology, comedy, science fiction or anthropology, the artists present in this exhibition belong to a Latin American generation that grew up in the middle of the Cold War, but whose practice has been developed after the fall of the Berlin Wall.

 

This exhibition proposes to create a context in which “politicized” pieces can be read from a more existential and sensorial perspective, in the same way that other more delicate and intimate works can be perceived from a socio-political dimension. Through their proposals, these artists offer us a refined and highly personal chronicle of current and less current times; a chronicle in which, through small domestic details or large collective events, they suggest that even today there are two or three issues worth reviewing in regards to the validity of this conflict.

 

 

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JäꞋäy jäꞋäy | Colmix + Impronta Casa Editora

Colmix + Impronta Casa Editora

Del 28 de agosto de 2021 al 16 de enero de 2022

 

En ayuujk de Ayutla, Oaxaca, el verbo para “escribir” es homófono del sustantivo persona: “escribe persona” que conforma el título de esta exposición. En este recorrido se muestran tres momentos de una larga tradición escrita en la familia lingüística mixe-zoqueana.

 

En un primer momento, la sección Ääts muestra la Estela 1 de La Mojarra con inscripciones en escritura antigua epi-olmeca fechada en el siglo II después de nuestra era. En la segunda parte, Peky, se muestra el uso del abecedario latino para textos destinados a la evangelización y compuestos a principios del siglo XVIII por el fraile dominico Fray Agustín de Quintana, en el tercer apartado, Tsyäm, se expone el uso actual del abecedario consensuado desarrollado desde las comunidades de hablantes del ayuujk desde hace 40 años a la fecha. Esta exposición pretende mostrar que la tradición escrita en lenguas mesoamericanas es de larga data y forma parte de la historia de las escrituras del mundo a pesar de que los prejuicios actuales le nieguen ese lugar.
Esperamos que, en las difíciles circunstancias actuales para los derechos lingüísticos de los pueblos indígenas, tanto la oralidad como la rica tradición escrita de las lenguas mixe-zoqueanas continúe como parte de esta antigua tradición en el que las personas hemos escrito: jäꞋäy jaꞋäy.

 

Colmix

 

El trabajo de impresión y composición tipográfica que se ha hecho en conjunto al Colmix para äy jaäy intenta, de forma mínima, abrir otros horizontes en los modos de producción salvaje de la industria de las artes gráficas y la producción editorial.

 

Las piezas propuestas por el Colmix se compusieron en la tipografía Ayuujk, diseñada por Manuel López Rocha para cubrir las necesidades de representación gráfica del mixe, que incluye ligaduras especiales para las consonantes palatalizadas, así como un saltillo tipográfico para representar la oclusión glotal de dicha lengua. En el caso de los glifos epi-olmecas, se ha vuelto a trazar cada uno de ellos para obtener resultados más nítidos y claros al momento de imprimir.

 

La producción de las piezas se realizó en su mayoría con fotograbado en polímero, además de la fundición de tipografía en linotipo. Para imprimirlas se utilizaron varias prensas antiguas que hoy en día han sido desplazadas por máquinas más eficientes que aceleran el tiempo de impresión y lo vuelven menos costoso. En consecuencia, esas prensas «desaceleradas» permiten preguntarnos ¿desde dónde y para quién imprimimos?

 

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Mɨtitemaikɨ: Mɨti’uaye hepaɨna mɨtimɨiya 

Alexander McQueen
18 kuriyu katsutɨtɨ 16 ‘eneru ‘utinieretɨ 2022 wiitaari

 

 

Alexander McQueen ‘uximayátsikaya niuki tɨtɨ pɨhɨkɨ tɨrɨkariya yuwapame kuxeɨrietɨ, mɨtihekwa matɨa meripaitɨ mɨtimieme. Ke mɨti’anekai mɨka’ikunanakekai ke pɨta mɨtiyukɨhɨawe putiuhekɨataxɨ ‘uximayátsika yɨkɨpɨta hekuyɨneme tsiere ‘uyɨnemetsíe. Yu ‘uyetari pukatsutɨa mɨtiwawiparie Anderson & Sheppard Ltd, muuwa pɨretima ‘ukí kemariteya wiparikaaya. ‘Arike ri ta ki ‘amɨpata Givenchy tiuta’uximayátaka waɨka tiwewiwetɨ patɨa pinite wichi’aneneme tiwewietɨ ranutinɨitɨwatɨ ke memɨte’ukemarikai 90 wiitaari mɨtiyehane. Muuwa tiuta’uximayataka yuniuki waɨka pumɨiriyaxɨ, ‘ixuriki wichi’anemekɨ heutamayɨawetɨ, meripaitɨ ke mɨtimatiwakai ke mɨtiuwewiwakai mɨɨkɨ ‘anɨari tiye’eiriximetɨ.

 

Yɨkɨpɨta nierikaya ‘anetɨ naitsarie pikuteɨtanekai, yɨxaɨta paɨ pɨtiuyumamatekai kename tewi ‘iwiipame meutawaikawe yɨanekai. Wewiyateya payuhekɨa mɨti’ukámawi mɨtiwaune kɨ, wakareukahɨpatɨ mɨtihekɨatani tita mɨtitemaikɨ; McQueen heitseriemekɨ ‘uká tewiyari pɨkumaɨwa tihekɨatamɨ tita yeiyari mɨtinanaimarikaya, metá tewi we’e ke mɨtinanaima tsiere ke tewa mɨyuwima tita yunaitɨ mɨtiwapini matɨa tita hipatɨ xeikɨa mɨtiwahetsíe mieme. Yamɨti’anene pɨtiuyuhekɨataxɨ xeɨriyatsíe Highland Rape 1995 wiyari, mɨɨkɨtsíe xanetsika yeiyari nanaimarikaya pahekɨataxɨ, tewi ‘uká weiyakame metá kemari tsatsanime ranakatɨkɨme hekɨatatɨ.

 

Tiwaunetɨ ke paɨ tawari yɨkɨpɨta kemarite tiuwewieni yayɨanetɨ xeime ‘uximayátsika putawenaxɨ software kumaɨwame kɨmana ‘ixurikitsíe nierika ‘anaye’ɨkiwame. ‘Uximayátsikaya yumariyakɨ pɨtiwewiyatɨka ‘aimieme nierika mɨyuwewie kemaritetsíe ‘ihekɨatamɨtɨ maana pɨyuhekɨa kename ‘uximayátsikaya hekwa hepaɨna xewi.

 

‘Uximayátsikaya tɨrɨkaɨyemekɨ pɨrawiya ke mɨtiuka’iyaaritsíe. Xɨarietɨ metá wichire’iyaaritɨ McQueen mɨireme ‘iyaari pexeiyakai mɨɨkɨtsɨ tɨrɨkariyaya tineyurienekai wichi ti’aneneme mɨtiwewiekai. Nanaiya panuyɨnekai kename tukaari ke mɨtiwayakɨ kúwima. Xeikɨa ri ta, mexi ‘uximayátsikaya waɨka yematiwáxime mɨɨkɨ ta yɨkɨpɨta pɨtiyuku’iyaaritɨwakai weri mɨti’anenetsíe pɨ ta, mɨɨkɨ tsɨ kwiniyaya ‘iweiyarɨmetɨ yatewa kaniti’atɨani.

 

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