Constante, La nueva Babilonia

Curaduría: Guillermo Santamarina

Marcela Armas, Charles Claubitz, Abraham Cruzvillegas, Jose Dávila, Anibal Delgado, Gilberto Esparza, Andrea Ferreyra, Gustavo Gamou, Vanessa García, Ismael Guardado, Cisco Jiménez, Kraeppellin, Los Lichis, Israel Martínez, Manuel Mathar, David Miranda, Gabriel de la Mora, Jorge Méndez Blake, Enrique Minjares, Luis Felipe Ortega, Roberto Rébora, Ricardo Rendón, Santiago Sierra, Benjamín Torres, Fabiola Torres, Francisco Ugarte, Mario de la Vega y Héctor Zamora.

 

Del 27 de agosto al 28 de noviembre de 2010

 

 

(Hace poco más de 50 años, en 1956, el artista Constant Niewenhuys –conocido simplemente como Constant- comenzó a trabajar en una visionaria propuesta arquitectónica para la sociedad del futuro, proyecto al que dedico más de 20 años de su carrera. Constant abandonó la pintura en 1953 y desde entonces se dedicó a estudiar temas constructivos, urbanos y útopicos. Durante estos años se convirtió en socio fundador de la Internacional Situacionista. Es en esta época cuando realiza el proyecto New Babylon: City for Anothe Life –llamado en aquellos años “la ciudad situacionista” debido a la polémica provocación que logró con su diseño antes mencionado-, uno de los principales trabajos de arquitectura crítica y utópica de todos los tiempos.)

 

Además de satirizar con los orígenes históricos de donde toma su título, la exposición Constante, La Nueva Babilonia dispone una suma de guiños a las estética predominantes en el panorama urbano contemporáneo, mismas que no se amparan pomposamente en el conocimiento científico, y para el caso, incluso en lo contrario, dándose al placer de deslustrar al Realismo.

 

He fundamentado esta selección de obra acorde a las inescapables percepciones que fluyen cotidianamente en la accidentada entidad citadina: el espacio destinado prioritariamente para el funcionamiento de máquinas, la degradación de la naturaleza, la especulación económica, y el desenvolvimiento del poder. Ahí debajo de esos factores de subordinación al humano y nuestro entorno, están la violencia diaria, el refugio intemperante de la melancolía, el destructivo curso de las abulia, y las cada día más frecuentes ansiedades por hallar un sendero salvador, constantes irónicas que rodean la noción de un improbable paraíso: la nueva Babilonia.

 

Esta muestra no pretende acreditar el impulso regenerativo que el proyecto utópico del artista-arquitecto Constant promueve, sino “cuestionarlo” desde la distancia de la verdad ineludible, la que desafortunadamente vivimos hoy, en la realidad transurbana, más allá de inoperancias, o de nuevos planteamientos supuestamente redentores. Incluso también exentos de quejas y de lamentos, por demás innecesarios en el universo de la creación.

 

Constante, La Nueva Babilonia examina buena parte de nuestras realidades mexicanas del presente, representando al entorno moderno: caótico, violento, contradictorio, constituido sobre miles de capas y fluyendo entre direcciones disparatadas; con martillo de evasiones, de resistencias, e incluso, de diseño funcional que, a pesar de ser estetizante o bello, es paradójicamente inútil y probablemente perverso.

 

También debe mencionarse que en el proceso de constitución de la presente fue inevitables concertar un escenario de fantasmagoría. Dicho esto quizás no sorprenderá al visitante sensible que en la mayoría de las piezas aquí dispuestas no solo están presentes y actuando los elementos evidentes de cada una de estas anatomías e invenciones paradójicas, sino que cerca de ellas cae una cascada de indeterminaciones que energizan los secretos y los sueños de nuestras individuales supervivencias.

 

Sin intención de conceder peso a una definición arbitraria y fútil, podría decirse que esta exposición ha sido trazada por un aliento Simbolista, por lo menos más acentuadamente que por otra nomenclatura artística, la Situacionista, la misma que a Constant orientó.

 

Afiliémonos entonces con esta exposición, por lo menos como jugando, al contubernio simbolista, en un ánimo similar a aquél que provocó “un movimiento oscuro y enigmático debido al uso exagerado de metáforas que buscaban evocar afinidades ocultas por el medio de la sinestesia”, y confrontemos a “la falsa sensibilidad y la descripción objetiva”, esos valores redundantes de nuestra cotidianidad.

En Zapopan, Jalisco, México, Tierra, Agosto 2010.

 

Guillermo Santamarina

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Cinefotógrafo | Gabriel Figueroa

Del 15 de marzo al 13 de junio de 2010

 

La prolífica trayectoria de Gabriel Figueroa Mateos (1907-1997) como creador de imágenes, abarca un periodo de más de medio siglo y una producción mayor a las doscientas películas. Desde sus inicios como retratista, stillman o fotógrafo de fijas, iluminador y operador de cámaras como cinefotógrafo, Figueroa fue pieza indispensable en la conformación de un arte colectivo, que es a la vez industria y espectáculo.

 

La muestra Gabriel Figueroa, Cinefotógrafo constituye la más acuciosa revisión que hasta la fecha se haya realizado de la obra de un fotógrafo de la pantalla grande. El recorrido está conformado por 20 núcleos temáticos donde se exponen los inicios de Figueroa como retratista, el periodo de aprendizaje en Hollywood y su debut como director de fotografía en Allá en el Rancho Grande (Fernando de Fuentes, 1936); sus trabajos que contribuyeron a reforzar la conciencia nacionalista y el imaginario épico revolucionario, así como producciones de los más diversos géneros y su colaboración con directores como Emilio el Indio Fernández, Luis Buñuel y John Huston.

 

A través de fotografías, caricaturas, carteles, documentos y ediciones en video procedentes de diversas instituciones y colecciones particulares, entre las que destacan los acervos de Gabriel Figueroa Flores y Fundación Televisa, se desarrolla la vida y obra de quien estuviera detrás de la cámara de María Candelaria (Emilio el Indio Fernández, 1943), The Fugitive (John Ford, 1947), Los olvidados (Luis Buñuel, 1950),

 

La Cucaracha (Ismael Rodriguez, 1958), Macario (Roberto Gavaldón, 1959), entre otras películas que le valieron a la cinematografía nacional reconocimiento y premios internacionales.

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Phantom Sightings, Apariciones fantasmales

Arte después del movimiento chicano

Curadores: Rita Gonzalez, Howard Fox y Chon Noriega

Del 25 de noviembre al 30 de enero de 2010

Scoli Acosta, ASCO: Harry Gamboa JR., GRONK, Willie Herrón, Pattsi Valdez, Margarita Cabrera, Juan Capistran, Carolyn Castaño, Sandra de la Loza, Alejandro Díaz, Adrian Esparza, Victor Estrada, Carlee Fernández, Christina Fernández, Gary Garay, Ken Gonzalez-Day, Danny Jauregui, Nicola López, Delilah Montoya, Julio César Morales, Ruben Ochoa, Marco Rios, Cruz Ortiz, Rubén Ortiz-Torres, Arturo Ernesto Romo, Shizu Saldamando, Eduardo Sarabia, Jason Villegas, Mario Ybarra, JR., Los Jaichackers, Eamon Ore-Giron

 

 

Los artistas de “Apariciones fantasmales. Arte después del movimiento chicano” comparten un interés en lo que Harry Gamboa Jr. ha llamado “arte conceptual en forma urbana” o lo que los curadores llaman en sentido metafórico “apariciones fantasmales”. La muestra “Apariciones fantasmales” establece el movimiento chicano como un contexto, una influencia, un punto de partida para la exposición, pero no como la base de un nombre propio para el arte o para los artistas.

 

Los artistas de la exposición tratan de responder a las cuestiones del espacio por medio de la desestabilización del monumento y la arquitectura; también revelan un interés en cómo las identidades urbanas y los relatos históricos nunca contados se combinan tanto en las obras públicas como en las destinadas a la sala de exposición. Abordan los sitios por varios medios, desde los estudios de percepción hasta la crítica institucional. Consideran con amplitud las tácticas al nivel de la calle, encuentran inspiración en paisajes industriales, grafiti, arte y carteles callejeros, e idean intervenciones tanto en lugares permitidos como prohibidos.

 

Como ya señalaba el artista Harry Gamboa Jr. en 1981: “los medios (…) han relegado en general, la influencia de los chicanos en Los Angeles a la de una cultura fantasma”. Aunque la población chicana creció a ritmo constante a lo largo del siglo XX en California y el suroeste de Estados Unidos, durante muchos años los chicanos rara vez fueron visibles en los medios masivos de comunicación, hecho que llevó a Gamboa y a sus seguidores de ASCO, el revolucionario colectivo de arte con sede en Los Angeles (formado a principios de la decada de 1970) a crear sus propias formas alternativas de medios, que incluyeron performances en las calles al estilo guerrilla y escenificaciones en foto fija que llamaron “No movies”. La influencia de ASCO, en particular en la generación más joven de artistas, es evidente en las formas urbanas fugaces que constituyen las instalaciones de Arturo Romo, Scoli Acosta, Shizu Saldamando, Mario Ybarra Jr. y Cruz Ortiz. Estas prácticas son una forma de activismo urbano que denota la presencia en la vida real de una cultura aparentemente “fantasma”.


Art after Chicano movement


From November 25th to January 30


Scoli Acosta, ASCO: Harry Gamboa JR., GRONK, Willie Herrón, Pattsi Valdez, Margarita Cabrera, Juan Capistran, Carolyn Castaño, Sandra de la Loza, Alejandro Díaz, Adrian Esparza, Victor Estrada, Carlee Fernández, Christina Fernández, Gary Garay, Ken Gonzalez-Day, Danny Jauregui, Nicola López, Delilah Montoya, Julio César Morales, Ruben Ochoa, Marco Rios, Cruz Ortiz, Rubén Ortiz-Torres, Arturo Ernesto Romo, Shizu Saldamando, Eduardo Sarabia,
Jason Villegas, Mario Ybarra, JR., Los Jaichackers, Eamon Ore-Giron

 

Curators: Rita Gonzalez, Howard Fox y Chon Noriega

 

The artists in “Phantom Sightnings. Art After the Chicano Movement” share an interest in what Harry Gamboa Jr. Has called “conceptual art in an urban form”- or what the curators metaphorically call “phantom sightings”. Phantom Sightings establishes the Chicano Movement as a context, an influence, a point of departure for the exhibition- but not as the basis for a proper name for the art or the artists.

 

Artists in the exhibition attempt to address spatial concerns through the destabilization of the monument and architecture; they also betray an interest in how urban identities and untold historical narratives bend in both public and gallery-bound works. They engage sites through various means, from perceptual studies to institutional critiques. They look broadly at Street-level tactics, finding inspiration in vernacular signage, industrial landscapes, graffiti, and street art, and devise interventions in both sanctioned and unsactioned arenas.

 

As artist Harry Gamboa Jr. Noted in 1981, “the media (…) has generally relegated the influence by Chicanos on Los Angeles to that of a phantom culture.” Though the Chicano population grew steadily throughout the the twentieth century in California and the Southwest, for many years Chicanos were rarely visible in the mass media – one fact that led Gamboa and his cohorts in the groundbreaking Los Angeles –based art colective ASCO (formed in the early 1970s) to create their own alternative forms of media, including guerrilla-style street performances and the staged “film stills” they called No Movies.

 

ASCO´s influence in particular – on a younger generation of artists is evident in the fleeting urban forms that populate the installations of Arturo Romo, Scoli Acosta, Shizu Saldamando, Mario Ybarra Jr. And Cruz Ortiz. Such practices are a form of urban activism, revealing the real-life presence of a seemingly “phantom” culture.

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Variaciones de obra blanca | Josefina Temín

Del 29 de mayo al 26 de julio 2009

 

En esta exposición el papel no es el soporte sobre el cual, la tinta o el grafito construyen la imagen concebida por el artista. Josefina Temín no dibuja sobre el papel, dibuja con el papel; lo manipula, lo modela para crear obras que evocan elementos vegetales. Sin la necesidad de recurrir al color, Temín reinventa la naturaleza, explora múltiples formas, valores de luz y sombra que logra a través de cortes, dobleces, perforaciones y reflejos.

 

Su concepción gráfica se desprende de un plano bidimensional, el dibujo toma cuerpo y volumen, lo delimita sólo el espacio vacío. La nobleza del material se une a la sensibilidad del artista, Obra Blanca, se origina sobre una profunda reflexión sobre la naturaleza y sus formas, para dar paso a una propuesta artística depurada de sutil tono poético.

 

Verónica Conzuelo

 

From May 29th to July 26th, 2009

 

In this exhibition, paper is not the medium on which ink or graphite build the image conceived by the artist. Josefina Temín does not draw on paper, she draws with paper; he manipulates it, he models it to create works that evoke plant elements. Without the need to resort to color, Temín reinvents nature, explores multiple forms, values ​​of light and shadow achieved through cuts, bends, perforations and reflections.

 

His graphic conception emerges from a bidimensional plane, the drawing takes shape and volume, it is delimited only by empty space. The nobility of the material joins the sensitivity of the artist, Obra Blanca, originates from a deep reflection on nature and its forms, to give way to an artistic proposal refined with subtle poetic tone.

 

Verónica Conzuelo

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Mi casa tiene alas | José Martínez Verea

Del 29 de mayo al 26 de julio de 2009

 

Fijar lo que no se puede ver

 

Nunca lo repetiremos suficientemente: la fotografía es, como el dibujo o la pintura, una forma de crear imágenes en dos dimensiones, es un medio de creación y no de reproducción como se creyó ingenuamente. En los principios de la fotografía se afirmaba que esta, nos devolvía exactamente la realidad.

 

En verdad, es otra mirada hacia el mundo. Se llego a comparar el ojo humano a una cámara fotográfica, pero es una aproximación engañosa. Recordemos algunas evidencias: el fotógrafo no es un pintor; el lente fotográfico no es un ojo humano y sin embargo este ultimo, no es, objetivamente efectivo. El fotógrafo lo dirige y él obedece, y es pues a un mismo tiempo, que la imagen fotográfica final dependa tanto del hombre cómo de la óptica.

 

Nada más simple que la fotografía: se mira a través de un lente, se aprieta un botón y se obtiene una fotografía. Entonces quedamos satisfechos de poder llevar con nosotros la imagen de dos pequeñas asoleándose o de un paisaje en la orilla de un lago, ya sea porque conocemos a las dos niñas o por que nos gustó ese determinado lugar. Esto es todo lo que la mayoría de las personas tienen que hacer para obtener una imagen.

 

Pero sólo el arte sabrá retener a una audiencia y no será por un asunto de sentimientos, pero si de calidad. Cuando una técnica está tan al alcance de todos, mas grande es el merito de extraer de ella algo excepcional. Así pues, observen las fotografías de José Martínez Verea.

Serge Fauchereau.

 

From May 29th to July 26th, 2009

 

 

Set what can not be seen

 

We will never repeat it sufficiently: photography is, like drawing or painting, a way of creating images in two dimensions, it is a means of creation and not of reproduction as it was naively believed. In the principles of photography it was affirmed that this, gave us exactly the reality.

 

In truth, it is another look at the world. We came to compare the human eye to a camera, but it is a misleading approach. Recall some evidence: the photographer is not a painter; the photographic lens is not a human eye and nevertheless the latter is not, objectively effective. The photographer directs him and he obeys, and it is therefore at the same time that the final photographic image depends both on man and optics.

 

Nothing simpler than photography: you look through a lens, you press a button and you get a picture. Then we were satisfied to be able to take with us the image of two small sunbathing or a landscape on the shore of a lake, either because we know the two girls or because we liked that particular place. This is all that most people have to do to get an image.

 

But only art will know how to retain an audience and it will not be a matter of feelings, but of quality. When a technique is so accessible to all, the merit is to extract something exceptional from it. So, look at the photographs of José Martínez Verea.

 

Serge Fauchereau.

 

 

 

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Radioglobal

Del 29 de mayo al 26 de julio de 2009

 

 

Radioglobal es un medio de interacción performática que busca contactar al crear una red abierta de contenidos musicales y visuales, proponiendo una opción alternativa cultural e independiente.

Radioglobal se gesta y reproduce en un campo virtual minado de instancias lúdicas. Inmerso en una estética aparentemente incauta, su discurso radiofónico se esparce a través de la música y la fiesta, el ruido y el arte (visualizado éste desde su principio más infantil y ligero, despojado de cualquier lineamiento establecido), y el tráfico constante de individuos con ideas afines que se enriquecen a medida que se amplía su red geográfica: su perfil es una entidad mutable que se define siempre a partir de su contexto.

Transmitimos por Internet las 24 hrs. del día desde Tijuana, Guadalajara, Puebla, México, D.F. Monterrey, San Diego, Madrid, Barcelona, Buenos Aires, Colorado y París.

 

*Vistas de exposición por Vanessa Ramos

 

 

 

 

 

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Horizontes fragmentados | Paloma Torres

Del 18 de marzo al 26 de abril de 2009

 

Paloma Torres es una artista innovadora en la escultura por sus propuestas estéticas audaces y por la calidad de su obra que amplía el lenguaje del barro.

Creadora inquieta, que está preocupada por el mundo urbano en el que habita. Ciudades aglomeradas, contaminación, ruido, son sólo algunos factores que la llevan a realizar esculturas que reconfiguran estéticamente su entorno y lo hace más llevadero.

Torres nos lleva a redescubrir nuestro entorno. Frente a Horizontes Fragmentados por cables, anuncios espectaculares, hacinamiento en las viviendas, grandes edificios, mobiliario urbano, ella nos obliga, a través de su obra, a ver y cuestionar nuestra realidad.

Su trabajo nos pone en armonía con un paisaje urbano que en la realidad hace sentir al ser humano en una escala muy menor frente al entramado en el cual vive.

Así, ella conjuga, como ningún otro escultor del México actual, el arte tradicional del barro, a través de sus expresiones estéticas atractivas, con la problemática urbana en la cual se haya inserta.

Tradición, modernidad y concepto hacen de Paloma Torres una artista visual muy singular y muy representativa del arte contemporáneo.

Lucía Alonso Espinosa

Curadora

 

From March 18th to April 26th, 2009

 

Paloma Torres, is an innovating artist in sculpture because of her aesthetically braveries proposals and also because of the quality of her work that enlarge the mud art.

A restless creator worried about the urban world where she lives in. Agglomerate cities, pollution, noise are only a few aspects that incite her to make sculptures that reconstitute aesthetically her environment and make it more bearable. Torres, carries us to rediscover our environment in front of fragmental horizons by cables, ads, pile up of housings, large buildings, urban furniture, she compels us through her work to see and argue about our reality.

Her work puts us in harmony with the urban scenery which in reality makes the human being feel inferior in front of weft in which we live in.

In this way, she conjugates, like no other sculptor in the present day Mexico, the traditional mud art throughout her aesthetics attractive expressions with the problematic where she is involve.

Tradition, modernity and concept act as Paloma Torres makes her a very singular visual artist and also a representative of the contemporary art.

Lucía Alonso Espinosa

Curator

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